Close

Как стать великим художником: 33 совета начинающим гениям — www.ellegirl.ru

Содержание

Как стать великим художником? | Рисуем вместе

Опубликовано 29 Янв 2013 в рубрике «Художники»

«Как стать великим художником?» — именно так начиналось письмо, которое я недавно получила. Нет, его автор не великий художник, он просто человек, который любит живопись. И очень хочет найти для себя ответ на вопрос, отчего одни художники становятся знаменитыми, а другие, рисующие ничуть не хуже, умирают в безвестности?

Тема для размышлений безусловно интересная. Ведь дело тут не только и не столько в мастерстве. Есть довольно много художников, ставших известными даже несмотря на отсутствие специального художественного образования.

Что же отличает их картины, выделяет из ряда других? И что привлекает внимание зрителей?

Я для себя ответы на эти вопросы уже нашла. Если вам интересно мое мнение, читайте дальше. Но предупреждаю, это только частный взгляд на искусство, вполне возможно, ошибочный.

  • Итак, первое, что на мой взгляд выделяет произведение искусства среди других, это мысль, или идея. Ответ на вопрос «что именно?».

Иногда идея лежит на поверхности. Как пример могу привести знакомую всем со школы картину «Опять двойка» Федора Решетникова.

Ситуация, характеры персонажей, их мысли и эмоции — все настолько явно читается, что кажется, будто перед нами не живописное произведение, а рассказ. Не зря уже много поколений школьников пишут по этой картине сочинение. По правде сказать, там и сочинять ничего особенно не требуется, художник описал происходящее очень подробно.

Человек, глядя на картину, основная мысль которой лежит на поверхности, испытывает радость узнавания, чувство, что они с художником говорят на одном языке и понимают друг друга.

Но есть картины, в которых идея спрятана глубже и предполагает различные варианты трактовки.

Пример  — «Черный квадрат» Казимира Малевича.

Вы знаете, когда я была маленькой, то недоумевала, почему это произведение настолько известно? И мне кто-то объяснил, что вся соль в том, что художник нарисовал свой квадрат без линейки. Меня это объяснение тогда устроило полностью, поскольку было понятно. Конечно, мастер. Попробуй нарисовать ровный квадрат от руки. К чему я это говорю? Просто есть разные уровни понимания, каждый находит в картине что-то свое. Могу рассказать о том, как я понимаю «Черный квадрат» сейчас.

Уже в институте, на уроках по истории искусства преподаватель рассказывала про Малевича и его эксперименты. Ведь, вопреки обывательскому мнению, Казимир Малевич был замечательным живописцем и очень хорошо владел кистью. Его ранние произведения — вполне традиционные пейзажи.

«Черный квадрат» — одна из исследовательских работ. А исследовал он прежде всего то, как воспринимаются сознанием основные цвета и формы. Возможно ли только с помощью формы передать движение? Эмоции? Мысли?

Вы наверняка знаете, что был и красный квадрат, и круги. При этом получалось, что форма круга, например, уже сама по себе дает ощущение движения. Так же, как и смещение объекта в композиции. Если тот же круг поместить в верхний угол, зритель почувствует динамику, круг как бы начнет скатываться вниз. Конечно, иллюзорно, в воображении. Статика и динамика не заложены в цветных пятнах, их «додумывает» наш мозг.

И с этой точки зрения, «Черный квадрат» — абсолютное ничто. Статичная форма. Цвет, не вызывающий ассоциаций — кроме пустоты и отсутствия жизни. Композиционно квадрат вписан в холст так, что не остается пространства для фантазии.

Возможно, именно поэтому он вызывает столько дискуссий и воспринимается настолько неоднозначно. Те, кто видел картину в живую, часто рассказывают о его притягательности и страхе, который вызывает картина. Не знаю, судить не берусь.

Но в любом случае, «Черный квадрат» Малевича — это чистая идея, выраженная живописными средствами.

  • Другой составляющей выдающегося произведения, могут быть
    эмоции
    .

Эмоции — это то, мимо чего не может пройти ни один человек, они притягивают внимание как магнит железо. И чем ярче, сильнее эмоция, показанная художником, тем притягательнее картина для зрителя.

Пример: «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» Ильи Репина. Второе авторское название — «Хохот».

Картина действительно завораживает, можно стоять возле нее очень долго, переводя взгляд от одного лица к другому.

Разумеется, привлекают внимание не только положительные эмоции.

Пример картины, построенной исключительно на эмоции: «Крик» Эдварда Мунка.

Ну, и есть откровенная чернуха, не буду искать примеры, поскольку мне такая живопись малосимпатична. Вообще, на негативных струнах играет немало современных художников. Тошноту вызвать легче, чем восхищение…

  • И только на последнее место я могу поставить технику исполнения,
    мастерство художника
    .

Потому что даже самая совершенная, безукоризненно исполненная живопись, но при этом не выражающая мысли и эмоции, будет скучна. Несмотря на то, что мастерство вызывает восхищение и уважение. Но немало зрителей хотят видеть что-то помимо хорошей техники.

Хотя… В наше время огромной популярностью пользуются фотореалистичные картины и рисунки, скопированные с фотографий. Что это, если не преклонение перед техникой? Правда среди профессиональных художников и преподавателей теории искусства я не встречала поклонников этого жанра. Подчеркну, лично я не встречала, вообще они есть… Например,  художники, создающие фотореалистичные картины.

Хило Чен, «Зеленый купальник»

Конечно, если заглянуть в историю искусства, живописцы изначально стремились писать максимально реалистично и близко к натуре. Этому учили в знаменитых художественных академиях прошлого. Но со временем у художников академического направления форма  стала доминировать над содержанием. Традиции превратились в идеализированные образы и сюжеты. А академизм вылился в салонное искусство, ориентированное на внешнюю «красивость» живописи.

Как протест салонному искусству, рафинированно красивому, но пустому, возник импрессионизм. При этом с точки зрения техники, импрессионисты, возможно, в чем-то проигрывали салонным художникам, но их работы были значительно более эмоциональными и живыми.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца.

  • Ну и в завершение разговора, по-настоящему великими мне представляются картины, объединяющие в себе все 3 составляющие: идею, эмоции и мастерство.

Можно приводить очень много примеров. Вы и сами их легко найдете.

Это и уже названная картина Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану».

Или вот, один из моих любимых пейзажей:

Алексей Саврасов, «Грачи прилетели»

Мне посчастливилось побывать на выставке Саврасова в Русском музее. Его пейзажи камерные, полотна очень небольшие по размеру. И не помпезные, изображены самые простые виды: распутица, сельские дороги. Но они настолько пронзительны, душевны, так эмоционально наполнены, что трудно передать это словами.

Почему-то многие считают, что  художники по сути своей универсалы. Умеет человек рисовать, значит напишет что угодно, хоть портрет, хоть бурное море, хоть сушеного кузнечика. Отчасти это может быть правдой, но только отчасти.

Часто художники еще на стадии обучения начинают чувствовать «свою» тему, и пишут не все подряд, а то, что нравится, вдохновляет, то, что интересно самому. И это отношение, эта любовь, обязательно ощущаются зрителями.

Думаю, именно так рождаются настоящие шедевры.

А вы как считаете?

Содержание

Вернуться на главную

Лекция Кирилла Светлякова «Кто может стать великим художником современности?»

Регистрация на событие закрыта

Извините, регистрация закрыта. Возможно, на событие уже зарегистрировалось слишком много человек, либо истек срок регистрации. Подробности Вы можете узнать у организаторов события.

Другие события организатора>

АНО «ТВЕРСКАЯ 15»

772 дня назад

28 января 2019 c 19:00 до 21:00

Москва

ул. Тверская, 15.

Лекция посвящена проблемам производства искусства внутри современной индустриальной культуры и масс-медиа, а также фигуре автора как придуманного «я», начиная от эпохи модернизма до современности. О том как новые художники учатся мыслить и резонировать в масштабах планеты Земля мы поговорим с известным искусствоведом и куратором Кириллом Светляковым.

Расскажите друзьям о событии

О лекторе:
Искусствовед, сотрудник Государственной Третьяковской галереи. Исследователь, писатель, директор Учебно-научного центра по изучению русской культуры ХХ века им. А.Г. Тышлера при факультете истории искусства РГГУ.

 

Входной билет на лекцию — 600 р.

 

«ТВЕРСКАЯ 15» – это некоммерческий социальный проект, направленный на соединение мира людей с особыми потребностями и общества неравнодушных детей и взрослых. На нашей площадке проходят лекции и мастер-классы выдающихся спикеров. Вырученные средства идут на проведение детских инклюзивных программ. 

 

Контакты пространства:

[email protected]

FB

Instagram

+79850602600 Соня — администратор

Второй класс продолжает работу над проектом «Как стать великим художником?»

19.10.2012

В ходе проекта 2 класса «Как стать великим художником?» у детей возникло много вопросов, над которыми стоит подумать:

  • Что нужно сделать, чтобы стать великим художником?
  • Что важнее художнику КАК или ЧТО рисовать ?
  • Должен ли ученик Великого художника научится рисовать так же, как учитель и быть похожим на него?
  • Почему у некоторых известных художников — картины непонятны?
  • И почему этих художников считают великими?
  • Как события в жизни художника влияют на его творчество?
  • Как художники находят свою тему?
  • Как вырабатывается манера художника?
  • Какая тайна есть в портрете Леонардо да Винчи «Мона Лиза»?
  • Почему некоторые художники запираются на несколько недель от людей. чтобы писать картину?

На занятии дети познакомились творчеством художников Сера и Синьяка. Изучили принцип пуантилизма. Исследовали как цветные точки могут оптически смешиваться в другие цвета. В результате появились картины в стиле и манере Сера.

 

 

 

 

 

«Сера и Синьяк — хорошие художники. Я испытываю чувство волнения, когда смотрю их картины».

Вова

«Живописец передает на плоскости картины радость ярких красок».

Лера

«Пейзажи Сера, будто грустная мозаика — вдохновенная, удивительная, красивая».

Мадина

«Художник передает яркими красками — радость».

Лиза К.

«Авторы картин не смешивают краски. Поэтому их картины очень яркие, добрые»

Анита

«Сера рисовал точками, которые сам придумал. Поэтому он стал знаменитым.»

Никита

«Удивительные, загадочные, веселые картины»

Тимофей

«Как будто перед нами мозаика. Сера — гений! Сера – мастер!»

Егор

«Картины Сера похожи на древнюю мозаику из песка или из цветных камушков. Пуантилизм — удивительное искусство, Сера придумавший его — гений!»

Майя

Как катаракта помогла Клоду Моне стать великим художником | Ника и музеи

Этот французский художник подарил миру импрессионизм, убедил весь мир в том, что собор из серого камня в зависимости от времени суток и погодных условий может быть и голубым, и розовым, и оранжево-золотым.

Поль Сезан говорил что Моне — это только глаз, но Боже, какой это глаз!

Ученые и биографы выдвигали сотни версий о специфическом строении сетчатки Моне, о его увлечении трудами об изучении светового спектра, о специальных упражнениях для развития «особого» зрения, о катаракте, в конце концов. И только последнее из перечисленного было правдой.

Проследим как менялась техника Моне с годами. Листайте галерею фото

Завтрак на траве, 1866 год (Моне 26 лет) Завтрак на траве, 1866 год (Моне 26 лет) Завтрак на траве, 1866 год (Моне 26 лет) Завтрак на траве, 1866 год (Моне 26 лет)

С 27 лет художник страдал прогрессирующим ухудшением зрения, в 68 лет он начал стремительно его терять и в 72 года Клоду Моне поставили окончательный диагноз — катаракта обоих глаз.

Сумерки.Венеция, 1909 год (художнику 69 лет)Сумерки.Венеция, 1909 год (художнику 69 лет)

Врачи говорили, что именно яркое солнце на пленерах выжгло Моне его удивительные глаза.

Дело в том, что хрусталик выполняет защитную функцию, поглощая световые волны до того, как они попадут на сетчатку, со временем он «изнашивается», мутнеет, желтеет и не искажая цвет предметов.

Единственным вариантом сохранить зрение была операция на глаза.

Моне был в бешенстве, начинал кричать в ту же секунду, как начинался разговор об операции.

Может они подсунут мне чужие глаза? А мне нужны глаза Моне, чтобы я мог работать! — сетовал художник.

Моне долгое время отказывался от операции, и только через 10 лет после постановки диагноза, когда он уже практически ослеп, он наконец-то решился лечь под нож.

К тому времени левый глаз воспринимал 1/10 от нормы, правый мог воспринимать только свет.
В 1923 году Моне перенес 2 операции (одна из них была в 2 этапа, поэтому фактически 3 операции).

В результате операций у Моне развилась афакия, когда каждый глаз видит цвет предметов по-разному и мозгу очень затруднительно собрать эту информацию в единую картинку.

Один глаз его видел в желтоватых оттенках, а другой в фиолетово- голубых. Он стал четче видеть, но афакичное зрение вызывало дикие головные боли.

Розовая тропинка, 1920 год (художнику 80 лет)Розовая тропинка, 1920 год (художнику 80 лет)

Моне не бросил живопись, он стал закрывать то один, то другой глаз и писать ориентируясь на цветовосприятие одного глаза.

Через полгода после первой операции зрение снова начало ухудшаться, развилась повторная катаракта. Что повлекло за собой необходимость в повторной операции, и она была сделана в июле 1923 года, но ожидаемых результатов не принесла.

После 2-й операции Моне перестал различать цвета

Это немного удалось скорректировать с помощью специальных очков.

В 1925 году Моне заявил, что его цветовосприятие полностью востановилось и принялся за работу с новыми силами, завершил больше 20 неоконченных работ и написал свои 8 огромных полотен, которые хранятся в музее Оранжери.

Водяные лилии, зеленое отражение, 1925-1926 год (художнику 86 лет)Водяные лилии, зеленое отражение, 1925-1926 год (художнику 86 лет)

Биографы и искусствоведы с уверенностью утверждают, что изменение характера и техники написания Моне было неразрывно связано с его ухудшающимся зрением, кто-то даже видит в его работах предвестников современной абстракции.

Ну а когда за дело взялись ученые из Стендстворского медицинского университета, а именно профессор офтальмологии Майкл Мармор это было научно доказано.

Майкл Мармор с помощью компьютерного моделирования создал фильтры, воссоздающие зрение человека страдающего катарактой.

Посмотрите, как это выглядит.

1 фото — фото сада Моне, 2 — как видит человек с 50% от нормы, и 3 — как видел Клод Моне.

Как видят мир люди с различной степенью поражения катарактой

Эти исследования не преуменьшают значимости и художественную ценность работ Моне, а наоборот доказывают, что он, одержимый изображением цвета и света, прошел настоящий ад потери возможности видеть этот самый цвет и свет, но все таки смог преодолеть это и стать поистине великим художником.

Если вам понравилась статья ставьте 👍👍 и напишите мне в комментариях что же все таки сделало Моне великим? Упорство, талант или все таки болезнь?

А еще я написала статью о том, кто такие художники Мане и Моне и почему их постоянно путают( нажать чтобы прочитать)

5 самых значимых картин Клода Моне, по которым можно понять импрессионизм (нажать чтобы прочитать)

Ну а если Вы хотите знать какие еще интересные выставки проходят в Москве подписывайтесь на мой канал (нажать чтобы подписаться)

Художник Чартков или почему нужно терпеть прежде, чем стать великим | by Den Tkachenko

Начало его творческой карьеры, как и у многих известных художников мира, было голодным и сырым:

«Старая шинель и нещегольское платье показывали в нем того человека, который с самоотвержением предан был своему труду и не имел времени заботиться о своем наряде, всегда имеющем таинственную привлекательность для молодости». Наверно, так размышлял сам Гоголь, творец не может исполнять волю народа, не прочувствовав самый низ жизненных прослоек».

Но в тоже время он знал себе цену:

«Он остановился перед лавкою и сперва внутренно смеялся над этими уродливыми картинами. Наконец овладело им невольное размышление: он стал думать о том, кому бы нужны были эти произведения.»

Что отличает настоящего художника от носящего художественный образ человека? — Правильно, способность сопереживать, мыслить образами. Невозможно передать кистью все, что сочетает в себе лицо человека, если не уметь так пристально и вдумчиво разбирать его черты.

«… художник уже стоял несколько времени неподвижно перед одним портретом в больших, когда-то великолепных рамах, но на которых чуть блестели теперь следы позолоты. Это был старик с лицом бронзового цвета, скулистым, чахлым; черты лица, казалось, были схвачены в минуту судорожного движенья и отзывались не северною силою. Пламенный полдень был запечатлен в них. Он был драпирован в широкий азиатский костюм. Как ни был поврежден и запылен портрет, но когда удалось ему счистить с лица пыль, он увидел следы работы высокого художника. Портрет, казалось, был не кончен; но сила кисти была разительна. Необыкновеннее всего были глаза: казалось, в них употребил всю силу кисти и все старательное тщание свое художник. Они просто глядели, глядели даже из самого портрета, как будто разрушая его гармонию своею странною живостью. Когда поднес он портрет к дверям, еще сильнее глядели глаза. Впечатление почти то же произвели они и в народе. Женщина, остановившаяся позади его, вскрикнула: «Глядит, глядит», — и попятилась назад. Какое-то неприятное, непонятное самому себе чувство почувствовал он и поставил портрет на землю».

Пенаты творческого человека, часто являясь заунывной хибарой, как бы подталкивают на великие свершения. Давайте проследуем в его студию:

«Чартков вступил в свою переднюю, нестерпимо холодную, как всегда бывает у художников, чего, впрочем, они не замечают. Не отдавая Никите шинели, он вошел вместе с нею в свою студию, квадратную комнату, большую, но низенькую, с мерзнувшими окнами, уставленную всяким художеским хламом: кусками гипсовых рук, рамками, обтянутыми холстом, эскизами, начатыми и брошенными, драпировкой, развешанной по стульям. Он устал сильно, скинул шинель, поставил рассеянно принесенный портрет между двух небольших холстов и бросился на узкий диванчик, о котором нельзя было сказать, что он обтянут кожею, потому что ряд медных гвоздиков, когда-то прикреплявших ее, давно уже остался сам по себе, а кожа осталась тоже сверху сама по себе, так что Никита засовывал под нее черные чулки, рубашки и все немытое белье».

В следующей фразе, по моему мнению, высказана главная мысль произведения. Гоголь высказывает ее устами преподавателя нашего художника. Она актуальна как никогда в наше с вами время, пройдя через года, она расставляет все по местам, определяя неуспех тех, кто стремится наверх, ничего не оставляя взамен:

«Молодой Чартков был художник с талантом, пророчившим многое; вспышками и мгновениями его кисть отзывалась наблюдательностию, соображением, шибким порывом приблизиться более к природе.

«Смотри, брат, — говорил ему не раз его профессор, — у тебя есть талант; грешно будет, если ты его погубишь. Но ты нетерпелив.

Тебя одно что-нибудь заманит, одно что-нибудь тебе полюбится — ты им занят, а прочее у тебя дрянь, прочее тебе нипочем, ты уж и глядеть на него не хочешь. Смотри, чтоб из тебя не вышел модный живописец. У тебя и теперь уже что-то начинают слишком бойко кричать краски. Рисунок у тебя не строг, а подчас и вовсе слаб, линия не видна; ты уж гоняешься за модным освещеньем, за тем, что бьет на первые глаза. Смотри, как раз попадешь в английский род. Берегись; тебя уж начинает свет тянуть; уж я вижу у тебя иной раз на шее щегольской платок, шляпа с лоском… Оно заманчиво, можно пуститься писать модные картинки, портретики за деньги. Да ведь на этом губится, а не развертывается талант. Терпи. Обдумывай всякую работу, брось щегольство — пусть их набирают другие деньги. Твое от тебя не уйдет».

Какой художник не сомневался в себе? Самостоятельность, как фортуна, любит дерзких. А разве можно изобразить дерзость в картине? День-ото-дня, ступая по выбранному пути, мы вынуждены бороться со сладким соблазном все бросить, уйти, убежать… Вот как с этим справлялся гоголевский щегол:

«Иногда хотелось, точно, нашему художнику кутнуть, щегольнуть — словом, кое-где показать свою молодость. Но при всем том он мог взять над собою власть. Временами он мог позабыть все, принявшись за кисть, и отрывался от нее не иначе, как от прекрасного прерванного сна. Вкус его развивался заметно. Еще не понимал он всей глубины Рафаэля, но уже увлекался быстрой, широкой кистью Гвида, останавливался перед портретами Тициана, восхищался фламандцами. Еще потемневший облик, облекающий старые картины, не весь сошел пред ним; но он уже прозревал в них кое-что, хотя внутренно не соглашался с профессором, чтобы старинные мастера так недосягаемо ушли от нас; ему казалось даже, что девятнадцатый век кое в чем значительно их опередил, что подражание природе как-то сделалось теперь ярче, живее, ближе; словом, он думал в этом случае так, как думает молодость, уже постигшая кое-что и чувствующая это в гордом внутреннем сознании. Иногда становилось ему досадно, когда он видел, как заезжий живописец, француз или немец, иногда даже вовсе не живописец по призванью, одной только привычной замашкой, бойкостью кисти и яркостью красок производил всеобщий шум и скапливал себе вмиг денежный капитал. Это приходило к нему на ум не тогда, когда, занятый весь своей работой, он забывал и питье, и пищу, и весь свет, но тогда, когда наконец сильно приступала необходимость, когда не на что было купить кистей и красок, когда неотвязчивый хозяин приходил раз по десяти на день требовать платы за квартиру. Тогда завидно рисовалась в голодном его воображенье участь богача-живописца; тогда пробегала даже мысль, пробегающая часто в русской голове: бросить все и закутить с горя назло всему».

И вот, о сила великого самомáркетинга:

«Уже чудились ему крики: «Чартков, Чартков! видали вы картину Чарткова? Какая быстрая кисть у Чарткова! Какой сильный талант у Чарткова!» Он ходил в восторженном состоянии у себя по комнате, уносился невесть куда. На другой же день, взявши десяток червонцев, отправился он к одному издателю ходячей газеты, прося великодушной помощи; был принят радушно журналистом, назвавшим его тот же час «почтеннейший», пожавшим ему обе руки, расспросившим подробно об имени, отчестве, месте жительства, и на другой же день появилась в газете вслед за объявлением о новоизобретенных сальных свечах статья с таким заглавием: «О необыкновенных талантах Чарткова».

Неужели художник только от того в искусстве, что переживать способен? Нет, друзья. Поглядите, как он работает, забывая обо всем на свете:

«Чартков принялся за дело, усадил оригинал, сообразил несколько все это в голове; провел по воздуху кистью, мысленно устанавливая пункты; прищурил несколько глаз, подался назад, взглянул издали — и в один час начал и кончил подмалевку. Довольный ею, он принялся уже писать, работа его завлекла. Уже он позабыл все, позабыл даже, что находится в присутствии аристократических дам, начал даже выказывать иногда кое-какие художнические ухватки, произнося вслух разные звуки, временами подпевая, как случается с художником, погруженным всею душою в свое дело. Без всякой церемонии, одним движеньем кисти заставлял он оригинал поднимать голову, который наконец начал сильно вертеться и выражать совершенную усталость».

Вот как видится молодому Гоголю художник, снискавший, наконец, немного славы:

«Чартков сделался модным живописцем во всех отношениях. Стал ездить на обеды, сопровождать дам в галереи и даже на гулянья, щегольски одеваться и утверждать гласно, что художник должен принадлежать к обществу, что нужно поддержать его званье, что художники одеваются как сапожники, не умеют прилично вести себя, не соблюдают высшего тона и лишены всякой образованности. Дома у себя, в мастерской он завел опрятность и чистоту в высшей степени, определил двух великолепных лакеев, завел щегольских учеников, переодевался несколько раз в день в разные утренние костюмы, завивался, занялся улучшением разных манер, с которыми принимать посетителей, занялся украшением всеми возможными средствами своей наружности, чтобы произвести ею приятное впечатление на дам; одним словом, скоро нельзя было в нем вовсе узнать того скромного художника, который работал когда-то незаметно в своей лачужке на Васильевском острове. О художниках и об искусстве он изъяснялся теперь резко: утверждал, что прежним художникам уже чересчур много приписано достоинства, что все они до Рафаэля писали не фигуры, а селедки; что существует только в воображении рассматривателей мысль, будто бы видно в них присутствие какой-то святости; что сам Рафаэль даже писал не все хорошо и за многими произведениями его удержалась только по преданию слава; что Микель-Анжел хвастун, потому что хотел только похвастать знанием анатомии, что грациозности в нем нет никакой и что настоящий блеск, силу кисти и колорит нужно искать только теперь, в нынешнем веке. Тут натурально, невольным образом доходило дело и до себя».

Страница не найдена — Художник Вячеслав Короленков

Search for:

FOLLOW ME

TWITTER GPLUS FACEBOOK BEHANCE PINTEREST
  • Живопись
    • Фигуратив
    • Портрет
    • Пейзаж-большой формат
      • Пейзаж-маленький формат
    • Натюрморт-большой формат
      • Натюрморт-маленький формат
  • Расписание мастер-классов
  • Наброски
  • Контакты
  • Живопись
    • Фигуратив
    • Портрет
    • Пейзаж-большой формат
      • Пейзаж-маленький формат
    • Натюрморт-большой формат
      • Натюрморт-маленький формат
  • Расписание мастер-классов
  • Наброски
  • Контакты
  • Живопись
    • Фигуратив
    • Портрет
    • Пейзаж-большой формат
      • Пейзаж-маленький формат
    • Натюрморт-большой формат
      • Натюрморт-маленький формат
  • Расписание мастер-классов
  • Наброски
  • Контакты

PAGE NOT FOUND

BACK TO HOMEPAGE

Как распознать у ребенка талант к рисованию расскажет серпуховский профессиональный художник Инга Назарова

Как узнать сможет ли ваш ребенок стать великим художником, в каком возрасте отдать его на рисование и многое другое расскажет профессиональный художник, преподаватель и  детский психолог Инга Назарова

Многие мамочки хотят, чтобы их дети умели рисовать, ведь в современном мире это стало очень популярным и прибыльным занятием. Расскажите, а у всех ли детей есть талант к рисованию и как его распознать? 

— Для того чтобы обнаружить у ребенка талант к рисованию нужен человек, который в этом разбирается. Если в семье никто не рисует, то талант будет сложно определить, так как ребенок и его одаренность развивается только в правильной среде. Если у ребенка есть дар к рисованию, но он не находится в нужной среде, то вряд ли это родится вот так вот в юном возрасте. Для начала детям необходимо развивать воображение: лепить из пластилина, играть с песком, делать различные формы из бумаги. В этот момент происходить познание мира, и он начинает понимать свое влияние на него. Сейчас, к сожалению, такая эпоха, когда дети мало взаимодействуют с реальностью. Им дают телефоны, что очень вредно сказывается на их сознании и развитии мозга. Ребенку нужно давать больше практических заданий, чтобы мозг лучше работал. 


Как вы считаете, в каком возрасте лучше всего отдать ребенка на рисование? 

— Впервые годы жизни ребенку достаточно взаимодействия с мамой или, может быть, с каким-то родственником умеющим рисовать, а вот уже учиться профессионально можно с трех лет, когда он может выполнять задания, конкретного учителя. Здесь уже идет погружение в правильную среду, которая даст толчок в развитии. Я проводила тест на одаренность, когда вела уроки рисования для детей, и оказалось  мало ребят, которые не прошли его. Многие дети  справлялись сразу с заданиями и показывали интересные результаты, но в дальнейшем оставались самые заинтересованные и творческие дети. Здесь уже идет определенный отбор, когда через этапы развития проходит ребенок: когда  он маленький ему все интересно, он готов что-то придумывать, красить, а потом  к нему требования возрастают и ему ставят определенные задачи. 


По вашему мнению, индивидуальное обучение лучше, чем обучение в художественной школе? 

— Для маленького ребенка ментор важен в первую очередь, а для более взрослого, когда он уже ближе к подростковому возрасту, нужен коллектив, потому что возникает определенная конкурентность и это стимулирует ребенка в развитии. Он видит и анализирует себя и работу других детей и это его подстегивает к результату. 


Какие можете дать советы родителям при выборе художественной школы? 

— Нужно смотреть на авторитет школы, на ее достижение, какие ученики и их работы, в каких условиях занимаются дети и ,конечно, как ребенок интуитивно будет себя чувствовать в этом учебном заведении. Если ему некомфортно и плохо, то тут нужно что-то менять: искать другую художественную школу или искать хорошего учителя для индивидуального  обучения.

Фотографии взяты из личного архива Инги Назаровой.

9 вещей, от которых нужно отказаться, чтобы добиться успеха

Нам, художникам, часто предлагают использовать любую возможность, которая встречается на нашем пути.

Вы никогда не знаете, кто может присутствовать на следующем открытии галереи, какие связи вы найдете на этом мероприятии или что может привести к будущим возможностям.

Но иногда дело не столько в том, чтобы сказать «да», сколько в том, чтобы знать, от чего можно отказаться.

Привычки, как вы, вероятно, знаете, если бы вы когда-нибудь были кусачим гвоздем, бывает невероятно трудно сломать.Наши невидимые ментальные привычки преодолеть еще труднее, но из-за этого даже важнее.

Итак, позвольте себе бросить все это. И дайте себе время и терпение, чтобы избавиться от привычек.

Отказаться от того, чего «недостаточно» , образ мыслей

Успешные художники не формулируют «недостаточно». Всегда не хватает времени, денег, уверенности, недостатка того, что есть в данный момент, чтобы делать или делать то, что вам нужно сделать, чтобы стать успешным артистом.

«Все они указывают на скрытый страх быть недостаточным», — говорит наставник по искусству и создатель «Работающего художника» Криста Клотье. «И как только вы сможете справиться с этим скрытым страхом, все остальные проблемы встанут на свои места».

Сдаться сравнения

В сравнениях есть одна особенность: в одних вещах вы всегда будете лучше, чем другие, а в других — хуже. Зацикливание на любом из них ни к чему не приведет.

Это может задушить ваше творчество как начинающего художника, сравнивая себя с кем-то, кто проработал двадцать лет своей карьеры, и может остановить ваш рост, если вы сравните свою работу с тем, кто только начинает.

Вместо того, чтобы сосредотачиваться на том, как вы стоите рядом с кем-то другим, вложите эту энергию в сравнение своей недавней работы с работой, которую вы сделали шесть месяцев назад, год назад и пять лет назад. Вы выросли? И каким вы хотите видеть себя через полгода, год и пять лет в будущем?

Сравните только себя с собой.

Отказ от извинений

Если вы хотите стать успешным художником, вы должны появиться. Вы должны делать работу.

Если вы похожи на любого другого художника в мире, вы, вероятно, однажды сказали себе что-то вроде: «Я не могу пойти в студию сегодня, потому что я слишком занят / слишком убит горем / моей семье нужно меня слишком много / [вставьте здесь любое оправдание] »

И знаете что? Приятно это делать. Это кажется оправданным и разумным, как будто вы поступаете правильно для себя.

Но художница Сьюзи Бейкер говорит, что это «о нашем СТРАХЕ, маскирующемся под Сопротивление; та вещь, или идея, или занятая работа, или Netflix, или неуверенность в себе, или откладывание на потом, или отказ, которые перестают проявляться и создавать наше искусство »

Когда вы перестанете оправдываться, вы сможете начать владеть направлением, в котором идете, и, при необходимости, иметь силу воли изменить это направление.

Все время отказываться от работы

Конечно, тебе нужно приходить в студию, даже если ты не хочешь работать. Но вы также должны знать, когда уйти, а когда уделить время, чтобы позаботиться о своем теле, своем здоровье, эмоциональном и социальном благополучии.

Вы не сможете работать наилучшим образом, если не инвестируете также в свое тело и разум.

Мы видели, как художники жертвуют обоими во имя своего ремесла.Но для создания работы вам нужно ваше тело на самом базовом уровне. Успешные художники знают, что их успех — это марафон, а не спринт, поэтому вам нужно поддерживать свое здоровье, чтобы оставаться в игре.

Найдите время в своем расписании, чтобы потянуться, заняться спортом, прогуляться, приготовить здоровую пищу и поговорить со своими сверстниками, семьей и друзьями.

Перестань прислушиваться к неосведомленным советам
  • «Когда вы получите настоящую работу?»
  • «Когда ты вырастешь?»
  • «В какой момент художник понимает, что он недостаточно талантлив, чтобы« сделать это »»
  • «Должно быть хорошо, что не нужно работать.”
  • «Должно быть приятно работать только тогда, когда тебе этого хочется».

Художник и создатель «Сообразительного художника» Антрез Вуд указывает на эти токсичные отношения, которые мешают художникам раскрыть свой потенциал.

Но знаете что? Мы можем выбирать, к кому прислушиваться и к какому совету следовать. Возможно, вы слышали поговорку о том, что мы — сумма пяти человек, с которыми проводим больше всего времени.

Проведите их с теми, кто подталкивает вас к успеху, с теми, кто преуспел как художник, и с теми, кто вдохновляет вас на это.

Не все советы одинаковы.

Отказаться от перфекционизма

Это идет рука об руку со страхом неудачи. Художники, зацикленные на необходимости сделать все идеально, часто боятся неудач. Но ирония в том, что они тогда ничего не выкладывают.

Единственный путь к росту — представить свою работу публике. Суровая реальность такова, что вы, вероятно, потерпите неудачу в своей художественной карьере (как бы вы это ни определяли).Вы не получите грантов, у вас будет провальное шоу, у вас будет отличная идея, которая просто не материализуется. Утешает то, что все остальные тоже.

«Вера в то, что« это »должно быть совершенным, будь то навыки, талант, образование, веб-сайт или заявление, заставит вас бесконечно крутить колеса», — говорит Бонни Глендиннинг из The Thriving Artist.

«Неудача означает, что вы учитесь», — добавляет Бонни. «Продолжайте терпеть неудачи, потому что вы будете учиться всю свою карьеру.”

Отказаться от эгоизма

Каждый вносит свой вклад в мир по-своему.

Нам нужны врачи, юристы и учителя, но нам также нужны художники, мастера и творческие люди, которые делают наш мир интересным, ярким и увлекательным.

Ваша задача — выяснить, что вы из себя представляете, и затем сделать это.

«Творчество — это не эгоистичный поступок или попытка привлечь внимание со стороны актера.Это подарок миру и каждому живому в нем. Не обманывайте нас в отношении вашего вклада. Дайте нам то, что у вас есть », — пишет Стивен Прессфилд в своей новой книге« Война искусства: прорыв блоков и победа в своих внутренних творческих битвах ».

Художники часто чувствуют себя виноватыми из-за того, что у них нет «настоящей» работы, и что они должны вносить больший вклад в семейный доход. Затем они либо чувствуют себя виноватыми, когда находятся в студии вдали от своей семьи, либо вдали от студии и не работают.

Но вина — это контрпродуктивная эмоция. Если вы чувствуете себя так, напомните себе, что ваша работа важна и необходима — это то, что делает вас целостным и делает возможным более полноценный вклад в свою семью, когда вы там.

Откажитесь от потребности в похвале

Возможно, вы хотите, чтобы ваша работа нравилась всем, но этого не произойдет. И, вообще-то, лучше, чтобы не всем нравилась ваша работа.

«Это действительно страшно выставлять себя напоказ, особенно когда ваша работа настолько личная, а затем позволяет миру смотреть на нее, судить и критиковать ее», — говорит художник Серен Моран.

Неуверенность в себе определенно играет определенную роль, но знать, что не всем понравится ваша техника или предмет, и это нормально. Это означает, что вы получаете что-то интересное и другое.

Как художник, не ваша работа продавать самые массовые полотна в Target. Ваша задача — сказать что-то и связаться с кем-нибудь.

Спросите себя, сделали бы вы ту работу, которую делаете сегодня, если бы ее никто никогда не увидел.Вы бы раскрашивали, лепили или рисовали это, если бы никому не показывали?

Легко увязнуть в похвале в социальных сетях и в большом количестве лайков на статью, которую вы разместили в Интернете. Но успешные художники знают, что их рост происходит изнутри, а не от внешней похвалы.

Отказаться от мифа о рассеянном гениальном художнике

Успешные художники знают, что они должны быть организованными, чтобы продвигаться вперед.

Часто художники пытаются выйти из этого, говоря что-то вроде «Я художник, а не деловой человек» или «Я плохо разбираюсь в технологиях.Кори Хафф, создатель «Изобильного художника», говорит: «Это оправдание того, что вы слишком ленивы, чтобы научиться базовым навыкам, необходимым для ведения арт-бизнеса».

Организованность не только снижает стресс, связанный с художественной карьерой, но и помогает вам показать себя профессионально.

Знание того, где находятся ваши работы, кому вы продали каждое произведение, и как быстро получить любую важную информацию — жизненно важная часть достижения успеха в качестве художника.Практически невозможно сосредоточиться на создании текущей работы, если вы постоянно ищете информацию.

Очень часто художники случайно продают в Интернете произведение, которое также находится в галерее, только потому, что у них не было системы.

Вот почему в Artwork Archive мы создаем инструменты, необходимые художникам, чтобы избавить их от хаоса в своей художественной карьере. Инвентаризация, бизнес-отчеты, поставки и счета-фактуры, планирование, контакты, отслеживание и многое другое.

Протестируйте его сегодня и узнайте, как Artwork Archive может улучшить ваш арт-бизнес и помочь вам на пути к успеху в карьере.

Что нужно, чтобы заниматься искусством (и продолжать учиться)

Источник изображения @LillyRoseDarci подсказки По сценарию Деса Рэя Майера Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы что-то покупаете, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (подробнее)

Стать художником — серьезное обязательство. Но нет правильного способа изучать искусство.

Хорошие новости: стать художником может каждый, если достаточно предан своему делу.

Это форма самовыражения через среду, будь то двухмерная, трехмерная или цифровая среда.

Многие люди, которые хотят исследовать искусство, разочаровываются еще до того, как подходят к концепции. Мы знаем, что всем нужно с чего-то начинать, но где именно , где-то ?

Решение стать художником — это первый шаг в развитии вашего таланта. Если вам сложно понять, с чего начать творческий процесс, вот несколько идей, которые помогут вам начать свой творческий путь.

Образ мышления и принадлежности

Первое, о чем следует подумать, когда вы начинаете экспериментировать с искусством, — это среда, с которой вы чувствуете себя наиболее комфортно.

Вы предпочитаете графит или чернила? Краска или пастель? Или, может быть, вы хотите работать в цифровом формате?

В этой статье мы сосредоточимся на карандаше и бумаге, пока вы не освоитесь. Вот удобное руководство, которое поможет вам найти все необходимое для начала работы.

Вы также должны найти место для работы, которое поощряет творчество.

Если вы находитесь в отвлекающей или негативной среде, это может помешать вашему творческому процессу.

Изображение создано @vasilena_ivanova_art

Очистка и подготовка рабочего места перед началом работы также могут помочь вам не отвлекаться от задачи. Если вокруг вас все аккуратно и организовано, вам не будет ничего, что отвлекало бы вас от тренировочного времени.

Обязательно настройте свое рабочее пространство и даже немного украсьте, если хотите добавить индивидуальности.

Некоторые вопросы, которые вы должны задать себе, прежде чем выбрать место для работы:

  • Вы лучше всего работаете с музыкой или без нее?
  • Достаточно ли освещения?
  • Будет ли что-нибудь бросать тень на вашу страницу?
  • Может ли ваша работа быть повреждена водой, животными или чем-то еще?
  • Можете ли вы хранить свои принадлежности легко и безопасно?
  • Есть ли место для передвижения или вам будет тесно?

Находите ответы, которые лучше всего соответствуют вашим потребностям, чтобы сформировать правильное мышление для ежедневных занятий.

Как практиковать

Вы должны решить, сколько времени вы хотите посвятить искусству, и действительно придерживаться его.

Чем больше времени вы тратите на рисование и творчество, тем быстрее вы продвигаетесь.

Я предлагаю всегда держать при себе альбом для рисования и добавлять его в свой распорядок дня.

Если на работе много простоев или у вас перерыв в учебе, чаще делайте наброски.

Составление расписания может помочь вам отслеживать часы, которые вы тратите на определенные части, а также то, сколько вы фактически тренируетесь.

Конечно, если вы проведете всю сессию, застряв и уставившись на свою газету, то это далеко не уведет вас.

Начать новую работу — самая сложная часть становления художником.

Изображение создано @ollebolledesign

Даже после того, как вы некоторое время поработали с одним и тем же носителем, при запуске нового проекта могут возникнуть некоторые колебания. Преодоление страха, связанного с творческим тупиком, — важный шаг на пути к практике.

Существует также теория, которая сравнивает нарушение режима сна с повышением творческих способностей.Многие художники и писатели просыпаются рано (около 3–4 утра) и сразу же начинают рисовать, рисовать или что-нибудь, что требует абсолютного творчества.

В этой статье Карен Эмсли рассказывается об опыте одного человека по внедрению творческих способностей, вызванных нарушенным сном, в свой распорядок дня, а также представлена ​​дополнительная справочная информация по самой теории.

Это может быть особенно полезно при мозговом штурме, поскольку оно предназначено для быстрого вывода , который можно редактировать и уточнять позже.

Рисование из реальной жизни — это тоже то, чем вы должны заниматься часто. Фактически, это, пожалуй, одна из самых важных вещей, которые вы можете практиковать.

Увидеть объект своими глазами — это не то, что рисовать по памяти. Линии часто более четкие, и это помогает прояснить любые проблемы с перспективой.

Всегда начинайте с малого. Не прыгайте во что-то слишком большое или незнакомое; вместо этого практикуйте простые и знакомые вещи, чтобы обрести уверенность в себе.

Когда я впервые начал посещать базовые курсы, я обнаружил, что у меня проблема с глубиной рисунков.Вместо того, чтобы делать легкий набросок, а затем добавлять на него слои затенения, я бы сделал контур самой глубокой частью рисунка.

Изображение, созданное @jasrielle

Слоение позволяет цвету постепенно наращивать и формировать изображение, которое вы пытаетесь создать. Вы сможете получить почти все необходимые значения от обычного карандаша HB (# 2).

Если не получается, попробуйте повернуть карандаш набок, а не держать его в вертикальном положении.

Завершение каждой фигуры всегда должно быть целью.Если вы не чувствуете себя абсолютно застрявшим на каком-то предмете, в этом случае можно отложить его и вернуться к нему, когда вы еще больше разовьете этот навык.

Но чем чаще вы выполняете работы и чем больше занимаетесь обычным делом, тем больше у вас будет навыков, необходимых для рисования потрясающих вещей.

Что практиковать

Как только вы создадите пространство и почувствуете себя более последовательным в рисовании, вы захотите выяснить, на чем сосредоточиться (помимо рисования с натуры).

Иногда бывает трудно придумать новую идею или концепцию для нового произведения, особенно как новый художник.

Один из способов борьбы с этим — пройти несколько исследовательских курсов. Означает ли это физическую регистрацию на занятие и посещение занятий с другими людьми или просмотр учебного курса, не выходя из дома. Оба хороши.

Для очных занятий я рекомендую пойти в общественный центр или университет и поискать там возможности.

Я прошел курсы рисования и акварели в местном месте и получил возможность участвовать в моей первой выставке галереи. Возможности есть везде.

Отличный онлайн-ресурс — серия видео Proko.

Это , очень полезные для людей, у которых мало времени на занятия, или для людей, которые не могут ездить на работу или просто не имеют времени на занятия.

Вы можете работать удаленно и в свободное время, обучаясь у парня, который действительно разбирается в искусстве.


Курс рисования фигур Проко — прекрасный шанс начать думать об искусстве реалистично, а также экспериментировать с воображением.

Эта серия научит вас разбивать сложные фигуры на легко воспроизводимые формы, чтобы помочь вам отточить основы.

Сохранение уровня плавности в позе — огромная часть создания реалистичного рисунка. Особенно при рисовании людей.

Разбив каждое изображение на части и формы, вы научитесь восстанавливать позу самостоятельно, даже исходя из своего воображения без привязки.

Мы написали подробный обзор курса фигур, который включает некоторую исходную информацию и подробности о структуре курса.

На канале Proko YouTube также есть бесплатные видео, которые могут дать больше информации о том, что он предлагает. Но нет никаких сомнений в том, что серия Proko — отличный ответ любому начинающему артисту, который задается вопросом: «Что я должен практиковать?»

Использование ссылок

Ссылки очень полезны для новичков (и профессионалов тоже!)

Важно использовать ссылки, чтобы точно определить анатомические аспекты рисунка и научиться рисовать из что-то , а не просто из своего воображения.

Ссылки помогут вам усовершенствовать личный стиль и поэкспериментировать с ним.

Просмотр работ других художников может повлиять на ваше произведение и пробудить творческий потенциал или подсказать вам новые идеи.

Самая очевидная форма ссылки — прямое наблюдение. Это означает, что вы будете рисовать из реальной жизни. Я обнаружил, что это самый простой способ по-настоящему закрепить перспективу и ускорить процесс обучения.

Но вы также можете учиться по фотографиям, что, безусловно, лучше, чем ничего!

Если вы хотите, чтобы отличные справочные фотографии работали, взгляните на наш список бесплатных веб-сайтов, которые предлагают тысячи совершенно бесплатных справочных фотографий для художников.

Изображение создано @LillyRoseDarci

Приближать практику к реалистичности проще, когда у вас есть другие объекты для сравнения. Так что не забывайте практиковать, исходя из жизни и ссылок, наряду с творческой работой; оба очень важны для роста.

Эксперименты

Еще одна вещь, о которой следует помнить, — это то, что искусство должно приносить удовольствие, но в то же время должно быть и вызовом.

Единственный способ выздороветь — это пробовать то, чего раньше не делал.Это чрезвычайно важно, если вам быстро становится скучно и вам нужно работать над несколькими проектами одновременно.

Экспериментирование также позволяет вам продолжать развиваться и расширять свой набор навыков.

Если вы обычно придерживаетесь более традиционных методов, попробуйте перейти к рисованию или даже цифровой работе.

Волоконное искусство также очень весело и без стресса изучать между более крупными предметами.

Позвольте другим подавать пример. Просмотрите социальные сети своего любимого артиста и узнайте, как они продвигались в различных средах и стилях.

Видеть, как другие пытаются что-то новое, может помочь вам сделать то же самое.

Смешанная техника искусства также очень популярна прямо сейчас, поэтому, если вам неудобно сразу переходить к другой форме искусства, вы можете попробовать постепенно добавлять новые формы.

Часто встречаются сочетания туши и акварели / гуаши, волокна и смолы или спиртовых маркеров и цветных карандашей.

Добавление цвета

Если черно-белый кажется вам слишком скучным, в конечном итоге стоит добавить цвет. Прежде чем переходить в мир ярких оттенков, важно немного познакомиться с теорией цвета.

Это означает изучение цветового круга и того, какие цвета лучше всего сочетаются друг с другом, чтобы создать ощущение сплоченности всего произведения.

Нормальный цветовой круг включает в себя основные цвета (красный, желтый и синий), вторичные цвета (фиолетовый, оранжевый и зеленый) и третичные цвета (красно-фиолетовый, красно-оранжевый, желто-оранжевый, желто-зеленый, сине-зеленый и сине-фиолетовый).

Изображение создано @tunaanii

Дополнительные цвета расположены прямо напротив друг друга на цветовом круге.

Они заставляют друг друга выделяться на странице, когда их размещают рядом, рядом или друг над другом.

Например, красный и зеленый не сочетаются вместе «просто потому, что».

Они заставляют ваши глаза фокусироваться на объекте, который использует эти цвета.

Это также может быть сложно, если вы работаете с основными оттенками коричневого или белого. В этом случае вам нужно посмотреть на оттенков в пигменте, чтобы увидеть, какой оттенок хорошо сочетается с другими цветами, которые вы используете.

Если вы новичок в цветах, можете попробовать провести исследование цвета. Новичку может быть сложно решить, какие именно цвета вы хотите использовать для украшения или какой должен быть фокус.

Иногда проще иметь под рукой копию цветового круга.

Исследование цвета — это способ попрактиковаться в раскладке цветов, не повреждая и не делая детали изображения тусклыми. Таким образом, вы можете изучить множество вариантов цвета, прежде чем добавлять какой-либо цвет в свой проект.

Но в конечном итоге искусство — это просто практика, повторение и желание пробовать новое.

Единственное, что нужно, чтобы стать художником, — это одна черта: упорство .

Чем больше вы практикуетесь, тем лучше у вас получается.

Быть художником — значит познавать новое и индивидуальное творчество. Если вы продолжите пробовать новые средства и новые методы, вы научитесь использовать больше из них в готовых проектах и ​​совершенствовать свой набор навыков.

Самое важное в искусстве — никогда не сдаваться. Если вы просто продолжаете практиковать, не имеет значения, сколько вам лет, где вы находитесь в жизни или сколько времени вы этим занимались.

Просто продолжайте практиковаться и старайтесь совершенствоваться каждый божий день. Результаты будут позже.


Автор: DesaRay Maier

DesaRay Maier — журналист-фрилансер из юго-восточного Мичигана, любит искусство. Она специализируется на различных техниках, включая тушь, акварель и настенную живопись.В настоящее время она работает над новой декорацией для своей местной театральной труппы. Вы можете следить за ней здесь, в Instagram.


Как быть художником

Проведите 47 дней в мире искусства с Seen.

Джерри Зальц, арт-критик Нью-Йорк , в роли Сальвадора Дали, по фотографии Филиппа Халсмана.Фото: фото Марвина Ореллана. Фотоиллюстрация Джо Дэрроу.

Искусство для всех. Это не для всех. Я знаю это интуитивно, как потенциальный артист, который выгорел. Я писал об этом в прошлом году, и с тех пор меня беспокоят — каждую лекцию, которую я читаю, каждую галерею, в которую я заглядываю, кто-то спрашивает у меня совета. На самом деле они спрашивают: «Как я могу быть художником?»

Когда в прошлом месяце Бэнкси натянул раму, чтобы разрезать картину, как раз тогда, когда она была продана с аукциона, я почти слышал шепот: «Это искусство?» Этой осенью крупнейшим музейным событием Нью-Йорка станет ретроспектива Энди Уорхола, представленная Уитни, — образцового самодельного художника, который создал все, что угодно, искусство и сам себя.Сегодня мы все дети Энди, особенно в эпоху Instagram, который научил всех мыслить визуально и смотреть на нашу обычную жизнь как на корм для эстетических результатов.

Как перейти от этого к созданию настоящего искусства, великого искусства? Особого пути нет; у каждого свой путь. Тем не менее, с годами я обнаружил, что даю одни и те же советы. Большинство из них были просто почерпнуты, глядя на искусство, а затем еще раз. Другие люди, слушающие артистов, рассказывают о своей работе и своих трудностях.(Все нарциссы.) Я даже украл пару у жены.

Есть 33 правила — и они действительно все, что вам нужно знать, чтобы зарабатывать себе на жизнь в искусстве. Или 34, если считать «Всегда будь милым, щедрым, открытым с другими и береги свои зубы». И № 35: «Подделывайте это, пока не сделаете это».

Пять уроков, прежде чем вы начнете.

Энди Уорхол, на основе Автопортрет (1986).Фото-иллюстрация: Джон Риттер для журнала New York . Источник фото: Марвин Орельяна.

Понятно. Занятия искусством могут быть унизительными, пугающими, заставлять вас чувствовать себя грязными, незащищенными, как будто вы впервые разделились перед кем-то другим. Вы часто рассказываете о себе то, что другим может показаться ужасным, странным, скучным или глупым. Люди могут подумать, что вы ненормальный или взломщик.Отлично. Когда я работаю, меня тошнит от мыслей типа Ничего из этого не годится. Это не имеет никакого смысла. Но искусство не должно иметь смысла. Это даже не обязательно должно быть хорошо. Так что не беспокойтесь о том, чтобы быть умным и перестать быть «хорошим».

Луиза Буржуа в 1975 году.Фото: Марк Сеттедукати, © The Easton Foundation / VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк.

Аминь, Луиза. Не поддавайтесь обузданию чужих определений навыков или красоты и не ограничивайтесь тем, что считается высоким или низким. Не оставайтесь на своей полосе. Рисунок внутри линий — младенцам; складывать вещи и быть правыми — это для бухгалтеров. Мастерство и ловкость зависят от того, что вы с ними делаете. Но также помните, что то, что это ваша история, не означает, что вы имеете право на аудиторию. Вы должны это заработать. Не пытайтесь сделать это с большим отдельным проектом. Делайте маленькие шажки. И радуйтесь маленьким шажкам.

Фото: Зохар Лазар / Джейсон М.Келли

Все мы начинаем как подражатели, люди, которые подделывают чужие работы. Отлично! Сделай это. Однако, когда вы это сделаете, сосредоточьтесь, начните чувствовать возможность сделать все это своими собственными — даже когда идеи, инструменты и приемы исходят от других художников. Каждый раз, когда вы что-то делаете, представляйте себя входящим на гигантский стадион, наполненный идеями, путями, способами, средствами и материалами. И возможности. Сделайте это своими. Теперь это твой дом.

Это о делах и опыте.

Никто не спрашивает, что имеет в виду Моцарт. Или индийская рага, или маленький трогательный танец Фреда Астера и Джинджер Роджерс под «Щеку к щеке» в Top Hat. Забудьте о том, чтобы делать вещи понятными. Я не знаю, что имеет в виду Абба, но мне это нравится. Воображение — ваше кредо; сентиментальность и отсутствие чувства врага.Все искусство происходит от любви — любви к чему-то.

Даже в психиатрической больнице Яёи Кусама плодовит. Фото: Джереми Саттон-Хибберт / Getty Images

Сестра Корита Кент сказала: «Единственное правило — работать.Если вы будете работать, это к чему-то приведет. Люди, которые постоянно делают всю работу, в конечном итоге зацепляются за что-то ».

Я всеми способами пытался избавиться от блокирования работы или страха перед работой или неудачей. Есть только один метод, который работает: работать. И продолжай работать.

Все известные мне художники и писатели утверждают, что работают во сне. Я делаю все время. Джаспер Джонс сказал: «Однажды ночью мне приснилось, что я нарисовал большой американский флаг, а на следующее утро я встал, пошел и купил материалы, чтобы начать работу.«Сколько раз вы мечтали о карьере и не прислушивались к ней? Неважно, насколько вы напуганы; все напуганы. Работа. Работа — единственное, что снимает проклятие страха.

Инструкция для студии.

Фрида Кало, на основе автопортрета , посвященного докторуEloesser (1940). Фото: Марвин Орельяна. Фото-иллюстрация: Джо Дэрроу для журнала New York Magazine.

Не беспокойтесь о рисовании. Просто делайте отметки. Скажите себе, что вы просто рисуете диаграммы, играете, экспериментируете, видите, что на что похоже. Если вы умеете писать, вы уже умеете рисовать ; у вас уже есть собственная форма, стиль создания букв и цифр и специальные каракули.Это тоже формы рисования. Когда вы делаете отметки и рисуете, обращайте внимание на все физические отклики, которые вы получаете от руки, запястья, руки, ушей, обоняния и осязания. Сколько времени может пройти ваша отметка, прежде чем вам понадобится поднять карандаш и сделать другую отметку? Сделайте эти отметки короче или длиннее. Измените способ их изготовления, оберните пальцы тканью, чтобы изменить прикосновение, попробуйте другую руку, чтобы увидеть, что она делает. Все это вам что-то говорит. Успокойтесь внутри себя и обращайте внимание на все, что вы переживаете. Не думайте, что хорошо, или — плохо. Думаю полезно, приятно, странно. Скрывайте секреты в своей работе. Танцуйте с этими переживаниями, сотрудничайте с ними. Они лидеры; Вы следуете. Скоро вы тоже будете придумывать шаги, делать визуальные калипсы самостоятельно — неуклюже, неловко или нет. Какая разница? Вы будете танцевать под музыку искусства.

Всегда носите с собой альбом для рисования. Накройте лист бумаги размером один на один фут отметками.Но не просто заполняйте всю страницу от границы до границы, от края до края. (Слишком просто.) Подумайте, какие формы, формы, структуры, конфигурации, детали, развертки, наращивания, рассредоточения и композиции вам нравятся.

Теперь проделайте это на другой поверхности, на любой поверхности, чтобы узнать, какой материал вам нравится. Рисуйте на камнях, металле, поролоне, кофейных чашках, этикетках, тротуаре, стенах, растениях, ткани, дереве и т. Д. Просто делайте отметки; украсить эти поверхности. Не беспокойтесь о том, чтобы делать больше. Все искусство является формой украшения . Теперь спросите кого-нибудь, какие идеи приходят в голову, когда они смотрят на то, что вы сделали. Они только что рассказали вам больше о том, что вы уже сделали. Если другой человек видит это в вашей работе, значит, он есть.

Затем нарисуйте квадратный фут перед собой. Это может быть плотно, свободно, абстрактно, реалистично. Это способ увидеть, как вы видите объекты, текстуры, поверхности, формы, свет, тьму, атмосферу и узоры. Он говорит вам, что вы упустили из виду. Это будет ваш первый шедевр . Теперь нарисуйте такой же квадратный фут с другой стороны. Вы уже становитесь намного лучше воспринимающей машиной и даже не подозреваете об этом.

Например, в метро, ​​в ожидании или сидя, потренируйтесь рисовать своими руками. Много рук на одной странице, руки над другими руками. Руки других людей, если хотите. Вы можете нарисовать и другие части тела, которые видите.Но вы должны посмотреть, а затем описать карандашом или ручкой то, что вы видите. Не придумывай! Зеркала подойдут, даже если вы хотите рисовать только там, где щека переходит в рот. Играйте с разными масштабами, делайте вещи больше, меньше, изгибы.

Упражнение: забудьте о гении и развивайте некоторые навыки
Я думаю, что все художники должны:
• Построить глиняный горшок.
• Сшейте кусочки ткани вместе.
• Обрезать дерево.
• Изготовить деревянную чашу на токарном станке по резьбе.
• Сделайте литографию, гравюру или ксилографию.
• Сделайте одну картину в стиле Дали или мини-инсталляцию света Кусама, чтобы избавиться от этого в вашей системе.

Теперь вы обладаете древними тайными знаниями.

Художественное мастерство не имеет ничего общего с техническим мастерством, миметической точностью или так называемым хорошим рисунком. У каждого великого художника есть свое определение мастерства. Если хотите, займитесь рисованием; научитесь рисовать «как мастера». Все равно придется делать это оригинально. Поллок не умел рисовать реалистично, но на какое-то время он делал удары краской по холсту сверху, что было самым ценным навыком в мире искусства. Вы можете сделать то же самое — ваше умение будет тем, что вы делаете по-другому.

Производный ранний рисунок Пита Мондриана.

И его совершенно неквалифицированная, но безумно умелая зрелая работа. Фото: ФОТО 12 / UIG через Getty Images

Что это значит? Объект должен выражать идеи ; искусство должно содержать эмоции.И эти идеи и чувства должны быть легкими для понимания — сложными или нет.

В наши дни художник может выставить полностью коричневую картину с длинным текстом на стене, информирующим нас о том, что художник взял холст в Косово, недалеко от места сербской резни 1990-х годов, и в течение двух часов втирал грязь на холст, с завязанными глазами, в ознаменование убийство. Недавно, когда я рассматривал скучные черно-белые фотографии облаков в небе, ко мне боком подошел галерист и серьезно высказался: «Это фотографии облаков над Фергюсоном, штат Миссури, в знак протеста против насилия со стороны полиции.Я начал кричать: «Нет! Это просто тупые картинки с облаками, и они не имеют ничего общего ».

Фонтан Дюшана — произведение искусства или идея? Обе!

Есть другой способ.Зимой 1917 года 29-летний Марсель Дюшан купил писсуар на заводе J.L. Mott Iron Works на Пятой авеню, перевернул его на бок и подписал «R. Mutt 1917 », назвал его« Фонтан »и представил на выставку Общества независимых художников без членов жюри.

Фонтан — эстетический эквивалент Слова, ставшего плотью, объект, который также является идеей — что все может быть произведением искусства. Сегодня его называют самым влиятельным произведением искусства 20 века.

Этот проект встраивания мысли в материал, чтобы изменить наше представление о мире, — не только новое развитие. Когда мы видим наскальные рисунки, мы видим одну из самых продвинутых и сложных визуальных операционных систем, когда-либо созданных нашим видом. Создатели работы хотели изобразить в реальном мире то, что было у них в голове, и сделать эту информацию доступной для чтения другим. Это длилось десятки тысяч лет. Имея это в виду…

Упражнение: построение тотема жизни
Используя любой материал на любой поверхности, сделайте или нарисуйте или визуализируйте четырехфутовый тотемный столб своей жизни.С помощью этого тотема мы сможем узнать о вас кое-что, кроме того, как вы выглядите или сколько у вас братьев и сестер. Включите все, что хотите: слова, буквы, карты, фотографии, предметы, знаки. Это займет не больше недели. Через неделю все будет готово. Период. А теперь покажите это тому, кто вас плохо знает. Скажите им только: «Это тотемный столб моей жизни до сих пор». Вот и все. Неважно, нравится ли это им. Попросите их рассказать вам, что это значит для вашей жизни. Никаких подсказок. Слушайте, что вам говорят.

Тогда преувеличивайте.

Фото: © Поместье Филипа Густона, любезно предоставлено имением и Hauser & Wirth.Фотография Женевьев Хэнсон.

Филип Гастон был обычным парнем из AbEx. Затем он стал Филипом Густоном. Фото: © Поместье Филипа Густона, любезно предоставлено имением и Hauser & Wirth.Фотография Женевьев Хэнсон.

Если кто-то говорит, что ваша работа похожа на чужую и вам следует прекратить ее делать, я говорю, что не прекращайте ее делать . Сделай это снова. Сделайте это 100 или 1000 раз. Затем спросите друга-художника, которому вы доверяете, не слишком ли похожи ваши работы на работы другого человека. Если он все еще слишком похож на чужой, попробуйте другой путь.

Представьте себе ужас, который, должно быть, испытал Филип Гастон, когда он последовал своему собственному голосу и превратился из первоклассного абстрактного экспрессиониста в 1950-х годах в рисование неуклюжих мультяшных фигурок, курящих сигары, разъезжающих в кабриолетах и ​​одетых в капюшоны KKK! За это его почти избегали.Он все равно следил за своим голосом. Это произведение сейчас является одним из самых почитаемых за весь период. Во время простоя…

Упражнение: археология
Составьте указатель, генеалогическое древо, диаграмму или диаграмму того, что вам интересно. Все они, все: визуальное, физическое, духовное, сексуальное. Свободное время, хобби, еда, здания, аэропорты, все. Каждая книга, фильм, веб-сайт и т. Д. Все это саморазоблачение может быть пугающим, пугающим.Но твой голос здесь. Это станет ресурсом и записью, к которым можно будет вернуться и добавить на всю оставшуюся жизнь.

У меня в голове какая-то Афинская школа . Команда соперников, друзей, известных людей влияет живыми и мертвыми. Они все смотрят мне через плечо, пока я работаю; ни один из них не подлый. Все делают наблюдения, рекомендации и т. Д. Я много пользуюсь музыкой. Думаю, Ладно, давайте начнем с настоящего момента! Как Бетховен. Или Барбара Крюгер в моей голове говорит: Сделайте это предложение коротким, резким, декларативным, агрессивным. Led Zeppelin перекликается с Попробуйте здесь волосатый эксперимент; пусть все это покажет. Все сиенские картины, которые я когда-либо видел, умоляют меня, Сделайте это красивым. Д. Х. Лоуренс стучит по столу, Александр Поуп заставляет меня взять себя в руки, Уоллес Стивенс слушает мой язык и рекомендует слова, Уитмен подталкивает меня, мой внутренний Мелвилл становится грандиозным, а Пруст побуждает меня делать больше и более длинные предложения, пока они почти не рвутся, и мой редактор разрезает их на восьмые или сокращает их до одной.(Писателям нужны редакторы. Без исключений.) Эти голоса всегда будут рядом, когда станет трудно.

Это наверное ты.

Упражнение: составьте список произведений искусства
Составьте список из трех художников, чьи работы вы презираете. Составьте список из пяти вещей о каждом артисте, которые вам не нравятся; быть как можно более конкретным. Часто в том, что делают эти артисты, есть что-то, чем вы делитесь.Действительно подумайте об этом.

Клас Ольденбург со своим напольным конусом в 1963 году. Фото: любезно предоставлено Oldenburg van Bruggen Studio, © 1962 Claes Oldenburg

Жизнь — это ваша программа: собирайте отовсюду.

Энди Уорхол сказал: «Мне всегда нравится работать над… вещами, от которых отказались, и все знали, что они бесполезны». Он также понимал, что «универмаги станут музеями», что означает, что оптическая информация может поступать отовсюду, даже из пакета Celestial Seasonings.

Оригинальность не умерла как раз вовремя, чтобы вы и ваше поколение настаивали на том, что ее больше не существует. Тебе просто нужно его найти. Вы можете сделать это, ища пропущенные периоды истории искусства, нелюбимые и дискредитированные стили, а также забытые идеи, образы и объекты.Затем проработайте их в своем собственном искусстве 100 или 1000 раз.

Это самая интересная часть.

Хорошо, это звучит нелепо, но позовите свою собаку, и она подойдет прямо к вам, кладет голову вам на колени, слюнявит, виляет хвостом: чудесное прямое общение с другим видом . А теперь позови свою кошку. Он может взглянуть вверх, немного подергиваться, возможно, подойти к дивану, потереться о него, сделать один круг и снова лечь.Что я говорю?

Наблюдая за реакцией кота, вы видите нечто очень похожее на то, как общаются художники.

Кот не заинтересован в прямом общении. Кошка ставит между вами и собой третью вещь и связывается с вами через эту третью вещь. Кошки общаются абстрактно, косвенно. Как говорит Кэрол Боув: «Нельзя просто подойти к красавице и поцеловать ее в губы!» Художники — кошки. (И их нельзя гнать.)

Искусство что-то делает.

Картины из песка навахо также являются просьбой к богам. Фото: Джеффри Клементс / Corbis / VCG через Getty Images

За последние 100 лет искусство стало в основном тем, на что мы смотрим в чистых, белых, хорошо освещенных художественных галереях и музеях.Таким образом, искусство было ограничено, сделалось пассивным: еще одна достопримечательность, которую нужно увидеть, сфотографироваться перед ней и оттуда уйти.

Но почти на протяжении всей своей истории искусство было глаголом, чем-то, что делает что-то для вас или для вас, что заставляет вещи происходить. Считается, что святые мощи в церквях по всему миру исцеляют. Искусство ушло на войну; сделано, чтобы защитить нас, проклясть соседа, убить кого-нибудь; помогли забеременеть или предотвратить беременность. Есть огромные, красивые, разноцветные, замысловатые рисунки на песке навахо, используемые на церемониях, чтобы просить богов о помощи. Мы не видим глаз, нарисованных на египетских саркофагах; они там, чтобы преданный мог наблюдать. Картины внутри гробниц должны были быть увидены только существами загробной жизни.

Вы когда-нибудь плакали перед произведением искусства? Запишите шесть вещей, которые заставили вас плакать. Прикрепите список к стене студии.Для вас это волшебные абракадабры.

Один из самых важных уроков!

Это картина о папе или безумии? Фото: © Поместье Фрэнсиса Бэкона.Все права защищены, DACS / ARTIMAGE 2018

Объект исследования Фрэнсиса Бэкона 1953 г. Этюд по портрету Папы Иннокентия Веласкеса X — это папа, сидящий мужчина в прозрачной коробке. Вот и все. Контент может быть протестом или обвинением в религии. Это может быть клаустрофобия, истерия или безумие религии или цивилизации.

Сюжет картины « Давид » Микеланджело — стоящий мужчина с перевязью.Содержание могло быть изяществом, красотой — ему было всего 17, если вы понимаете, о чем я — задумчивость, физическое осознание, вневременность, вечные вещи, форма совершенства, уязвимость. Это содержание Высокого Возрождения. Картина Бернини « Давид», , созданная 120 лет спустя, — это барокко — все действие и драма.

Когда вы смотрите на искусство, делает предмет первым, что вы видите, — а затем перестаньте его видеть.

В « Давид » Микеланджело содержится красота.Фото: CM Dixon / Print Collector / Getty Images

Попробуйте найти содержание на картине Роберта Раймана, который делал почти полностью белые работы с 1950-х годов. Спросите, какие идеи у Раймана (или любого художника) и каково его отношение к рисованию, поверхности, внутреннему масштабу (то есть мазки кисти какого размера были использованы в работе), к цвету. Что для Раймана белое? Отметьте дату: 1960 год. Зачем тогда он написал эту картину? Было бы это похоже на другое искусство в то время? Как бы все было иначе? Спросите себя, что еще производилось тогда.Как работа висит на стене? Это в рамке? Носилки или поверхность толстая, тонкая, близко к стене? Чем это похоже или непохоже на другие почти монохромные работы Эллсуорта Келли, Барнетта Ньюмана, Агнес Мартин или Эда Рейнхардта? Поверхность чувственная или интеллектуальная? Художник хочет, чтобы вы видели работу сразу или по частям? Некоторые части важнее других? Считается ли, что каждая часть поверхности одинаково важна? Что думает художник о ремесле и мастерстве? Как вы думаете, этот художник любит рисовать или пытается писать против него? Это антиискусство? Как Райман относится к материалам, инструментам и маркировке? Как вы думаете, как он работал? Насколько он может быть оригинальным или новаторским? Почему это должно быть в музее? Почему бы ему не быть в музее? Хотели бы вы с этим жить? Почему или почему нет? Почему вы думаете, что картина такого размера? А теперь попробуйте Фриду Кало.

Упражнение: сравните эти восемь обнаженных красок
Забудьте о предмете — что на самом деле каждая из этих картин говорит о ?

Рокби Венера , Диего Веласкес, 1647 год.Фото: Art Media / Print Collector / Getty Images

Обнаженная Майя , Франсиско Гойя, 1797–1800. Фото: Buyenlarge / Getty Images

Олимпия , Эдуард Мане, 1863 г.

Дух мертвых хранит часы , Поля Гогена, 1892.

Голубая обнаженная , Анри Матисс, 1907 год.

Модель (обнаженный автопортрет) , Флорин Штеттхаймер, 1915.

Imperial Nude: Пол Розано , Сильвия Сани, 1977.Фото: © Поместье Сильвии С. Алловей

Beachbody , Джоан Семмель, 1985. Фото: предоставлено Alexander Gray Associates, Нью-Йорк © 2018 Joan Semmel / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Критики видят, отступая, приближаясь, делая шаг вперед и назад; смотреть на все шоу, сравнивать одну работу с другой; рассмотрение прошлых работ художника, оценка развития, повторов, регрессов, неудач, отсутствия оригинальности; и Т. Д.

Художники видят совсем по-другому: они очень близко подходят к работе; осматривают каждую деталь, ее текстуры, материалы, макияж; они касаются его, смотрят на края и вокруг задней части объекта.

Чем занимаются художники? Они скажут: «Посмотрите, как это делается». Я бы сказал, «Воровство».

Украсть можно что угодно. Вам следует! Ты лучше! Плохое искусство учит вас так же, как хорошее искусство.Может быть, больше! Великое искусство часто бывает врагом хорошего; это не оставляет вам достаточно места для воровства.

Это потому, что его сделал кто-то .

И не беспокойтесь о том, чтобы быть достаточно «политическим»: Казимир Малевич рисовал квадраты во время Первой мировой войны; Марк Ротко делал нечеткие квадраты во время Второй мировой войны; Агнес Мартин рисовала сетки на холсте во время войны во Вьетнаме. Всякое искусство — это исповедь, более или менее косвенная.

Художники, утверждающие, что искусство должно быть полезным для нас, также должны видеть, что существует столько же способов, как искусство быть «полезным для нас», сколько существует произведений искусства.

Никогда не забывайте, что все искусство создавалось художниками для своего времени и в ответ на него. Это сделает вас менее циничным и замкнутым, а также более понимающим и открытым для всего, что вы когда-либо видели. Пожалуйста, сделайте это! Это относится ко всем нам.

Путеводитель по змеиной яме.

Алиса Нил в своей неотапливаемой домашней студии, 1979 год. Фото: Фред В. Макдарра / Getty Images

Несмотря на то, что все, что мы видим в мире искусства в наши дни, — это астрономические цены, блеск, гламур и поведение наркоманов, помните, что только один процент из одного процента всех художников становятся богатыми благодаря своим работам.Вы можете чувствовать, что вас не замечают, недооценивают и вам недоплачивают. Очень жаль. Перестань жалеть себя; ты делаешь это не поэтому.

Но будьте осторожны. Типичные ответы — деньги, счастье, свобода, «делаю то, что хочу», наличие сообщества художников, возможность видеть, что я делаю.

Но… если ты выйдешь замуж за богатого человека и у тебя будет много денег, удовлетворишься ли ты только деньгами? Кроме того, в Subway продается много бутербродов, но это не делает их хорошими.

Как насчет того, чтобы быть «счастливым»? Не будь глупым! Многие успешные люди несчастны. И многие счастливые люди не добиваются успеха. Я «успешен», и я все время сбит с толку, напуган, неуверен в себе и неуверен. Успех и счастье живут по разные стороны дорожек.

Хотите истинного определения успеха? Лучшее определение успеха — это время — время заниматься своей работой.

Как вы будете находить время, если у вас нет денег? Вы будете работать полный рабочий день долгое время.Вы будете долгое время из-за этого впадать в депрессию — обиду, разочарование, зависть. Извините, это так.

Но ты хитрый, находчивый художник! Вскоре вы поймете, как работать только четыре дня в неделю; вы начинаете немного меньше впадать в депрессию. Но затем, в воскресенье вечером, вы снова впадаете в депрессию, возвращаясь к работе, которую вы ведете в никуда, которая все еще отнимает у вас слишком много времени.

Но вы действительно хитрые и находчивые; для вас это вопрос жизни и смерти.В конце концов — а это касается почти 80 процентов художников, которых я когда-либо знал — вы обманываете способ работать только три дня в неделю. Вы можете работать в галерее; для художника или музея; учителем, искусствоведом, арт-куратором, бухгалтером, корректором, кем угодно.

Теперь вы больше не в депрессии: У вас есть время поработать и больше проводить время; вы теперь первая мера успеха. А теперь приступай к работе. Или перестань быть художником.

Сколько именно? Давай посчитаем.

Дилеры? Вам нужен только один дилер — тот, кто верит в вас, поддерживает вас эмоционально, быстро платит, не играет в слишком много интеллектуальных игр; кто будет честен с вами в отношении вашего дерьмового или великого искусства, кто сделает все возможное, чтобы распространить вашу работу и попытаться заработать на этом деньги. Этот дилер не обязательно должен быть в Нью-Йорке.

Коллекторы? Вам нужно всего пять или шесть коллекционеров, которые будут покупать ваши работы время от времени и на протяжении многих лет, которые действительно понимают то, что вы делаете, которые готовы пройти через взлеты и падения, которые не говорят: « Сделайте их такими, как . «Каждый из этих шести коллекционеров может поговорить о ваших работах с шестью другими коллекционерами. Даже если у вас всего шесть коллекционеров, этого достаточно, чтобы заработать достаточно денег, чтобы иметь достаточно времени для работы.

Критиков? Было бы неплохо иметь двух или целых трех критиков, которые, кажется, понимают то, что вы делаете.Было бы лучше, если бы эти критики были из вашего поколения, а не придурки вроде меня.

Кураторы? Было бы неплохо иметь одного-двух кураторов вашего поколения или чуть старше, которые время от времени приглашали бы вас на выставки.

Вот и все! Двенадцать человек. Конечно же, твое дерьмовое искусство может обмануть 12 глупых людей! Я видел, как это делалось только с тремя или четырьмя сторонниками. Я видел, как это делалось с одним!

В 1957 году галерист Лео Кастелли обнаружил Джаспера Джонса во время посещения мастерской Роберта Раушенберга.Кастелли сразу же предложил Джонсу свою первую персональную выставку. Именно там Альфред Барр, директор-основатель нью-йоркского музея современного искусства, купил три работы. Дополнительные работы были куплены Филипом Джонсоном и Бертоном и Эмили Холл Тремейн. Еще до того, как шоу началось, исполнительный редактор Томас Хесс поместил Джонса на обложку ARTnews.

В 1993 году прорыв Элизабет Пейтон в Нью-Йорке был организован дилером Гэвином Брауном в номере 828 отеля Chelsea.Посетители просили ключ от номера на стойке регистрации. Они поднялись наверх, отперли дверь и вошли в небольшую однокомнатную квартиру, выходящую на 23-ю улицу. Там они увидели 21 черно-белый рисунок, выполненный углем и тушью, от малого до среднего, с изображением модников, Наполеона, королевы Елизаветы II, Людвига II и других. Любая работа могла быть украдена; никого не было. С тех пор у Пейтона были музейные выставки по всему миру; ее работы продаются почти за миллион долларов. Согласно бухгалтерской книге отеля, после открытия шоу посмотрели всего 38 человек.Это не займет много времени.

Я не могу приукрашивать следующую часть: одни люди связаны лучше, чем другие. Они добираются до 12 быстрее. В мире искусства полно таких привилегированных людей. Вы можете их ненавидеть. Я делаю. Это несправедливо и несправедливо, и все еще действует в отношении женщин и художников цвета, особенно, не говоря уже о художниках старше 40 лет. Это нужно изменить и изменить. Всем нами.

Когда дело доходит до высказываний артистов, будь простым и глупым.

Не используйте художественный жаргон; пиши своим голосом, пиши, как говоришь. Не пытайтесь писать умно. Сделайте свое заявление прямым, ясным и по существу. Не возражайте против таких больших понятий, как «природа» и «культура». Не используйте такие слова, как : опрашивать, реконцептуализировать, деконструировать, символизировать, трансцендентальный, мистический, товарная культура, пороговое пространство, или тактильно. Не цитируйте Фуко, Делёза, Деррида. Эти ребята молодцы. Но не цитируйте их. Придумайте свою собственную теорию.Люди, которые заявляют, что ненавидят или не имеют теории: это ваша теория, идиоты!

О важном сложно писать. Так оно и есть. Смирись с этим. И если говорить претенциозно, не говори этого.

Упражнение: Заявление художника
Напишите простое описание своей работы, состоящее из 100–150 слов; отдай его тому, кто не разбирается в твоей работе. Попросите их рассказать вам, как, по их мнению, выглядит ваша работа.Обратите внимание на различия.

Два совета:
( A ) Не сочтите за труд. Просто напиши, большой ребенок! Вы уже умеете писать.

( B ) Никогда не говорите просто: «Скажи мне, что это». Это напыщенная чушь. Когда дело доходит до вашей работы, вы лучший авторитет.

Психические стратегии борьбы с уродством (внутри и снаружи).

Жан-Мишель Баския и Франческо Клементе, 1986 год. Фото: Патрик Макмаллан / Getty Images

Не ложитесь спать допоздна каждую ночь с другими артистами вашего возраста. Приходи. Ходите на открытия, мероприятия, вечеринки, где бы вас ни было больше двух.

Художники должны постоянно общаться с себе подобными. Из этого правила нет исключений, даже если вы живете «в лесу». Желательно общаться лично, но онлайн более чем нормально. Неважно, где вы живете: большой город, маленький город, маленький городок. Вы будете вместе бороться и любить; вы вместе разовьете новые языки и дадите друг другу утешение, общение и силы, чтобы продолжить.Так вы измените мир — и свое искусство.

Чтобы обезопасить себя, создают небольшие банды. Защищайте друг друга несмотря ни на что; Эта банда позволит всем вам выйти в разные части мира и захватить их. Спорите, спите, любите, ненавидьте, надоедайте своим товарищам по банде. Что бы ни случилось, вы нужны друг другу — пока. Защитите самого слабого артиста в своей банде, потому что в банде есть люди, которые думают, что вы слабый.

Мане: Непостижимо вульгарно?

В 1956 году «после тщательного рассмотрения» Музей современного искусства отклонил рисунок обуви Уорхола, который он подарил музею.Моне на долгие годы отказался от выставок в Парижском салоне. Произведение Мане и Курбе было отвергнуто как скандальное, сенсационное, уродливое. Говорят, что картин Мане демонстрируют «немыслимую пошлость». Мане не хотел показываться вместе с Сезанном, потому что считал и вульгарным.

Самая известная и первая книга Стивена Кинга , Carrie, отклонялась 30 раз. Кинг выбросил первые страницы книги. Его жена перерыла мусор, спасла их и убедила его продолжать писать.

The Beatles были отклонены Decca Records, которая считала, что «гитарные группы уходят» и «у Beatles нет будущего в шоу-бизнесе».

Но не игнорируйте критику. Вместо этого сохраните письма с отказом; приклейте их к стене. Они побуждают доказывать неправоту. Вы можете быть Ахавом в отношении этих плохих отзывов, но не позволяйте им пренебрегать ими; они не определяют вас.

Гораздо сложнее: признать, что в любой критике может быть доля правды, что вы сделали то, что позволило этому человеку сказать то, что было сказано.Вы могли опередить свое время, но человек этого не заметил. Или, может быть, вы делаете что-то неуместное, позволяющее им не ценить вашу работу, или вы не нашли способ заставить свою работу говорить с людьми, с которыми вы хотите, чтобы она говорила. Это все на тебе.

В общем, вы должны быть открыты для критики, но при этом развивать шкуру слона. И помните, что ничто, что вам говорят о вашей работе, не может быть хуже того, что вы уже думали и говорили себе 100 раз.

Я всегда говорю всем, кто меня критикует: «Возможно, ты прав». У него приятная двойная грань, которую человек часто никогда не чувствует и которая доставляет удовольствие.

Сегодня!

Зависть смотрит на других, но ослепляет вас.

Он съест тебя заживо как художника; вы живете на службе у него, всегда на грани фанка, размышляя о прошлых пренебрежениях, наблюдая за всем, всегда видя то, что есть у других людей, ища других артистов, упомянутых вместо вас.Зависть разъедает ваш внутренний разум, оставляет меньше места для развития и, самое главное, для честной самокритики. Ваше воображение занято тем, что есть у других, а не тем, что вам нужно делать в своей работе, чтобы получить то, что вы хотите. В этой крепости все, что с тобой не происходит, обвиняют кого-то или кого-то еще. Вы воображаете себя современным Ван Гогом, забытым гением, к которому мир не готов. Вы отказываетесь от свободы воли и ответственности. Чувство недостатка определяет вас, делает вас кислым, горьким, нелюбящим и злым.

Бедный ты. Жаль, что у всех этих «плохих артистов» есть шоу, а у вас нет. Жаль, что они получают статьи, деньги и любовь! Жаль, что у них есть трастовый фонд, они ходили в лучшие школы, вышли замуж за кого-то богатого, лучше выглядели, у них тоньше лодыжки, они более общительны, имеют лучшие связи или используют свои связи, сетевые навыки и образование. Жаль, что ты стесняешься.

Секрет: почти все в мире искусства почти одинаково застенчивы и пугливы в отношении себя.Я не могу присутствовать на обедах с сидячими местами. Мы все делаем все, что в наших силах. Но «бедный я» — не способ улучшить вашу работу, и вы выбываете из игры, если не появляетесь. Так что вырастите себе пару чего угодно и приступайте к работе!

Пикассо: семьянин.Фото: © Эдвард Куинн / © Эдвард Куинн

Существует неписаное правило, особенно для женщин в мире искусства, что иметь детей «плохо для вашей карьеры». Это идиотизм.

Наверное, у 90 процентов всех художников были дети. Эти артисты в основном были мужчинами, и это неплохо сказалось на их карьере. Конечно, на протяжении веков женщинам было поручено почти исключительно домашнее хозяйство и воспитание детей, что было запрещено в школах и академиях, им даже не разрешалось рисовать обнаженных людей, не говоря уже о том, чтобы учиться у художников.Все кончено.

Наличие детей не «плохо» для вашей карьеры. Рождение детей означает меньше времени, денег или места. Ну и что? Большинство детей, выросших в мире искусства, живут удивительной жизнью.

Как заметила художница Лорел Накадате, быть родителем уже очень похоже на то, чтобы быть художником. Это означает всегда таскать вещи, жить в хаосе, делать загадочные, невозможные или пугающие вещи. Как и в искусстве, дети могут сводить с ума весь день, заставлять желать, чтобы все это исчезло.Тогда в одну секунду, в любой момент, вы искуплены моментом интенсивной преобразующей любви.

Космические эпиграммы Джерри.

Не говорите: «Я ненавижу фигуративную живопись». Никогда не знаешь, когда увидишь так называемую фигуративную картину, которая привлечет твое внимание. Так что не будьте гробовщиком из мира искусства, объявляющим медиумов мертвыми! «Живопись мертва», «Роман мертв», «Автор мертв», «Фотография мертва», «История мертва. Ничего не умерло!

Искусство не по желанию, а не декоративное озеленение перед замком цивилизации. Это не более и не менее важно, чем философия, религия, экономика или психология.

Помните: каждый может использовать ваше искусство — любое искусство — любым способом, который ему подходит. Вы можете сказать, что ваша работа посвящена диаспоре, но другие могут увидеть в ней изменение климата или исследование природы. Cool.

Что это значит? Мы согласны с тем, что некоторые художники хороши, но вы можете посмотреть на Рембрандта и поймать себя на мысли… Это довольно коричневый цвет. Ничего страшного! Это не значит, что ты тупой.

Это действительно означает, что, хотя для Гамлета существует один текст, каждый, кто видит пьесу, видит другой Гамлет. Более того, каждый раз вы видите Гамлет, он другой.Так обстоит дело почти со всем хорошим искусством. Он всегда меняется, и каждый раз, когда вы видите его заново, вы думаете, Как я мог пропустить это раньше? Теперь наконец-то вижу! До следующего раза, когда он перестроит ваше мышление.

Это переносит вас в одну из метафизических квазарных камер искусства: искусство — статичная, неизменная вещь, которая никогда не бывает прежней.

Радикальная уязвимость.

Вся карьера Джеффа Кунса превратилась в эпическом унижения: живопись себя и его порно-звезда жены в месте преступления. Фото: Майкл Нэгл / The New York Times / Redux

Что это? Он следит за вашей работой до ее самых темных уголков и самых странных проявлений, раскрывая в себе то, что вы не хотите раскрывать, пока ваша работа не требует этого, и никогда не терпит неудач только посредственными или общими способами.Все мы противоречим себе. У нас есть множество. Вы должны быть готовы к ярким неудачам, делать вещи, которые кажутся глупыми, и за которые вас могут посчитать плохим человеком.

А ты можешь?

В три часа ночи демоны говорят со всеми нами. Я стар, и они все еще разговаривают со мной каждую ночь. И каждый день.

Они говорят вам, что вы недостаточно хороши, не ходили в правильную школу, глупы, не умеете рисовать, у вас мало денег, не оригинальны; что то, что вы делаете, не имеет значения, и кого это волнует, а вы даже не знаете историю искусства, не умеете болтать и у вас болит шея.Они говорят вам, что вы притворяетесь, что другие люди видят вас насквозь, что вы ленивы, что вы не знаете, что делаете, и что вы делаете это только для того, чтобы привлечь внимание или деньги.

У меня есть одно решение, чтобы отвернуться от этих демонов: избив себя в течение получаса или около того, остановитесь и скажите вслух: «Да, но я гребаный гений».

Теперь ты. Искусство для всех, но не для всех. Эти правила — ваши инструменты.Теперь используйте их, чтобы изменить мир. Приступайте к работе!

Как стать художником Джерри Зальца будет опубликовано 17 марта 2020 года.

* Эта статья опубликована в журнале New York Magazine от 26 ноября 2018 г. Подпишитесь сейчас!

Как стать успешным художником в 2020 году: 5 основных советов (и 5, которых следует избегать)

Успешный художник с меценатством, общественное достояние, фотография Бицански

Хотя художники по-разному представляют, что для них значит успех, большинство из них, вероятно, согласятся, что продажа их работ — хороший показатель успеха.Многие творческие люди хотят стать самыми продаваемыми художниками, зарабатывая полный рабочий день и даже разбогатев от своей работы. В то время как другие могут захотеть стать известными в промышленности или академических областях и сделать книги по истории искусства.

Независимо от того, что успех может означать для художников, есть несколько проверенных способов достижения этих целей.

Ниже приведены пять советов для достижения успеха и пять советов, которых следует избегать. Необязательно делать все из этого списка, так что не пугайтесь.Просто выберите одно и действуйте.

1. Диверсификация и процветание даже в тяжелые времена

Женщина с набивной сумкой, фото Артема Беляйкина

Продолжение статьи под объявлением

Создание репродукций ваших работ может быть забавным, полезным и прибыльным. Если вы уже продаете свои работы, то, во что бы то ни стало, продолжайте продавать свои оригинальные работы. Но представьте, если бы вы создали тираж этих оригиналов. Делая это, вы можете увеличить свой потенциал заработка, не тратя больше студийных часов.Стоимость отпечатков может быть намного ниже, чем у оригиналов, что делает их более доступными для людей, которые могут быть не в состоянии позволить себе оригинальные произведения искусства.

Это малоэффективная, хорошо оплачиваемая работа, которую вы можете повторить со всеми своими лучшими произведениями. После продажи репродукций произведений искусства вы можете продать оригинал дороже, потому что вы увеличите его стоимость.

Во-первых, ваши работы должны быть профессионально сфотографированы. Попросите цифровые копии для Интернета, для печати и бумажные копии для вашего портфолио.Убедитесь, что у вашего фотографа есть опыт фотографирования произведений искусства. Некоторые преуспевают в этом, а другие нет.


РЕКОМЕНДУЕМЫЙ АРТИКУЛ:

Хьюго Болл: основатель движения Дада


Мастерская фотографирования

Продолжение статьи под объявлением

Далее обратитесь к трем типографиям, чтобы узнать цены с учетом доставки. Лучше присмотреться к магазинам, поскольку их цены будут отличаться. Я бы пошел так далеко, что заказал по одной копии одного и того же произведения искусства у каждого принтера, чтобы сравнить их услуги и продукт.Сделайте все возможное, чтобы ваши репродукции были высокого качества.

Печать по запросу (POD) просто означает, что когда клиент заказывает печать с вашего веб-сайта, заказ поступает прямо на ваш принтер через приложение, встроенное в ваш сайт. Затем принтер распечатывает работу и отправляет ее прямо вашему клиенту. Вы платите принтеру за работу и соответствующие сборы за доставку; разница теперь и есть ваша прибыль.

Многие художники выбирают услугу POD, чтобы разместить свое искусство на товарах, таких как холсты, плакаты, ткань, одежду, множество предметов домашнего обихода, и продать их на таких платформах, как Shopify и Etsy.Таким образом, вы можете продавать свои отпечатки, не храня инвентарь, и избежать больших первоначальных затрат.

Гравюра — это захватывающая сфера, в которой вы можете многократно копировать свою работу и продавать столько, сколько захотите. Их изготовление значительно быстрее, чем изготовление большего количества оригиналов. Однако для создания гравюры требуются определенные знания и дорогое оборудование. Поэтому лучше всего найти курс поблизости от вас, чтобы научиться искусству гравюры. Если рядом с вами есть общественный художественный центр, вы можете получить доступ к курсам, печатному станку и группам по гравюрам.

Есть несколько форм гравюры. Независимо от того, какой из них вы выберете, у вас будет любое количество репродукций, которые вы сможете продать. Большинство этих процессов позволяют вам делать повторные тиражи, если вы распроданы, если только вы не решите создать ограниченный тираж. В этом случае определитесь с числом в тираже и придерживайтесь его!

Трафаретная печать в NTAS, North Tyneside Art Studio, CC BY-SAS Трафаретная печать в NTAS, North Tyneside Art Studio, CC BY-SA

Продолжение статьи под объявлением

Лицензирование произведений искусства — это продажа прав на ваши произведения искусства компаниям или людям, которые хотят использовать его в коммерческих целях.Когда вы только начинаете, лучше всего будет обратиться к агенту, который поможет вам найти клиентов. Они часто становятся повторными покупателями. Агент также будет заниматься юридическими вопросами, такими как защита ваших авторских прав, контракты и обеспечение качества воспроизведения.

Если вы хотите лицензировать свою работу самостоятельно, вы можете пройти курс о том, как лицензировать свое искусство. Есть много ловушек, в которые вы можете попасть при лицензировании своих произведений искусства, поэтому заранее знайте и проинформируйте о том, что может пойти не так.

Избегайте слишком тонкого нанесения.Важно оставаться сосредоточенным. Диверсификация как артиста не обязательно означает расширение в нескольких жанрах. На самом деле, может быть выгодно оставаться сфокусированным и нишевым в своем стиле, чтобы ваши работы были брендированными и узнаваемыми. Если вы создаете картины только для галерей, вы можете не зарабатывать на жизнь этим. Но если вы, например, также будете печатать и продавать их в социальных сетях, вы можете заработать значительно больше денег.


РЕКОМЕНДУЕМЫЙ АРТИКУЛ:

10 фактов о Доменико Гирландайо


2.Арт-маркетинг расширяет вашу аудиторию

Face Paint Street Artist, фото Армандо Лазо

Продолжение статьи под объявлением

В наш век цифровых технологий оставаться видимым означает показывать свои работы на специальном веб-сайте и в социальных сетях. Многие художники пишут в блогах о своей работе и публикуют видеоролики о своем творческом процессе и творчестве в нескольких социальных сетях. Взаимодействуя с людьми, художники создают сообщество поклонников и взаимодействуют с ними независимо от того, в какой части мира они находятся.

Выставляя свои работы, помните о своих связях с общественностью и пресс-релизах. Местные газеты и местные веб-сайты и блоги, посвященные новостям, приветствуют статьи. Напишите о своем искусстве и своей истории и отправьте ее задолго до открытия.

Когда у вас появятся подписчики, вы можете делать публичные комментарии и приглашать на интервью. А пока напишите свою монографию, создайте художественные книги, комиксы, иллюстрированные детские книги или напишите свои мемуары. Очевидно, что на это нужно время, но это полезно и увеличивает ваш творческий капитал.

Если у вас есть коллекция оригинальных работ для продажи, поищите местные, национальные и международные художественные ярмарки, где вы можете выставить и продать свои работы. На некоторых ярмарках продаются киоски, а на других можно выставить одну или несколько работ. Если у вас есть киоск, вы также можете продавать свои отпечатки, если они у вас есть. Обязательно прочтите всю литературу, которую они вам присылают, и соблюдайте их правила.

Art Fair Zurich, 2017

Продолжение статьи под объявлением

Не позволяйте становиться невидимым.Если вы не рекламируете свое искусство, тогда никто не знает, кто вы и чем занимаетесь. Если ваше искусство висит в галерее, это не значит, что оно будет продаваться. Проведение одной выставки и молчание месяцами или годами не продадут ваше искусство. Многие художники не любят мысли о маркетинге. Не позволяйте этому чувству парализовать вас. Лучше всего диверсифицировать свои маркетинговые усилия, чтобы понять, какие из них лучше всего подходят для вас.

3. Фриланс и консалтинг

Бывший художник-резидент, Брукс Зальцведель, работает над рисунком во время своей резиденции, через NPS

Продолжение статьи под объявлением

Два отличных варианта для получения регулярного дохода.Для писателей, художников-карикатуристов, иллюстраторов и цифровых художников существует значительный объем работы на платформах для фрилансеров, таких как Upwork. Если у вас есть портфолио работ, вы можете загрузить свои лучшие работы в свой профиль. В зависимости от качества вашей работы вы можете очень быстро найти клиентов. Цель состоит в том, чтобы развивать эти отношения, чтобы вы могли получать постоянных клиентов и регулярно работать в своей области.

Платформы фрилансеров берут процент ваших платежей, который уменьшается по мере того, как вы выполняете свою работу с хорошими отзывами.У них есть надежная посредническая служба и лицензированная служба условного депонирования, чтобы гарантировать, что ваши клиенты заплатят вам оговоренную сумму. Вся транзакция с вашим клиентом происходит на платформе, которая обеспечивает гарантии, которых трудно достичь, работая самостоятельно.

Существуют банки вакансий, такие как «Американцы для искусства», где вы можете подать заявление на множество вакансий в сфере искусства.


РЕКОМЕНДУЕМЫЙ АРТИКУЛ:

Александр Колдер: удивительный создатель скульптур ХХ века


Прежде чем волноваться, вы должны понять, что конкуренция на этих платформах жесткая.Но если вы продолжите подавать заявки на работу, которой увлечены, и продолжаете улучшать свой профиль и портфолио, вы, скорее всего, начнете выигрывать работу. Если обе стороны довольны вашей работой, вы можете попросить своих клиентов повторить работу. Это сделка по принципу «продвигайтесь вверх», поэтому не сдавайтесь слишком рано. Вы должны быть в этом надолго, чтобы получить лучшую работу.

В качестве альтернативы вам может понравиться независимый фриланс и консультирование с использованием вашего собственного веб-сайта, блога, социальных сетей и LinkedIn для поиска и привлечения клиентов.Хотя для вас это может показаться свободой, существуют риски, связанные с поиском клиентов, получением оплаты, недопониманием и нарушением контрактов.

Избегайте заниматься независимым фрилансом с закрытыми глазами, так как вы рискуете получить деньги за свою работу, ваши авторские права могут быть нарушены, а потенциальные прибыльные отношения могут быть пресечены в зародыше, прежде чем они расцветут. Это не сценарий быстрого обогащения. Ожидайте, что вы будете работать, как будто это обычная работа, но вы получите возможность работать где угодно и в удобное для вас время.

4. Подражайте успешному художнику, которым вы восхищаетесь

Делайте покупки до тех пор, пока вы не заглянете, Бэнкси, фотография Квентина, Великобритания

Продолжение статьи под объявлением

Вместо того, чтобы изобретать велосипед. Взгляните на веб-сайты некоторых успешных художников, которым вы хотите подражать. Читайте их биографии и страницы «Обо мне» для вдохновения. Посмотрите на их аккаунты в социальных сетях и сделайте то, что они сделали. Другими словами, воспользуйтесь их «успешным» процессом.

Бэнкси, например, добился большого успеха благодаря своему уникальному граффити и своей знаменитой анонимности.Социальные сети позволили ему добиться огромных успехов и, по иронии судьбы, сохранить свою конфиденциальность и безопасность.

Избегайте копирования произведений искусства и письменных работ других художников. Копирование чужих работ и выдача их за свою — называется плагиатом. Это незаконно и в случае судебного преследования может привести к серьезным штрафам.

5. Меценатство

Луиза Элизабет Виже Ле Брен, Автопортрет, общественное достояние, Покровитель — Мария Антуанетта

Продолжение статьи под объявлением

Сегодня это деловое «партнерство», подобное спонсорству, между артистом и человеком или бизнесом (покровителем), которые хотят помочь этому артисту.Помощь может принимать форму финансовой помощи, поддержки и доступа к сети и привилегиям покровителя. Заказчик может пожелать приобрести некоторые работы этого художника в процессе.

В Европе раннего Нового времени покровительство зародилось в церкви и сыграло важную роль в развитии искусства. Одним из самых известных примеров является огромный объем работ, выполненных церковью и богатой семьей Медичи по заказу Микеланджело во время Высокого Возрождения в конце 15-го и начале 16-го веков в Италии.Без этих покровителей Микеланджело вряд ли создал бы такие долговечные и исторически значимые шедевры.

Покровительство было необходимо для существования многих художников, поскольку они обеспечивали их финансовым вознаграждением, материалами и местом для жизни и работы. В зависимости от того, кто был покровителем, некоторые артисты и музыканты были вознаграждены прочной славой. Одним из таких примеров является Скверчалупи, которого часто называют самым известным музыкантом Италии 15 века. Несмотря на то, что ни одна из его музыки не сохранилась, он по-прежнему известен в мире музыки, потому что пользовался поддержкой покровителя семьи Медичи.


РЕКОМЕНДУЕМЫЙ АРТИКУЛ:

10 культовых фресок с граффити, которые заставят вас остановиться


Чтобы найти своего покровителя, вы можете привлекать представителей бизнеса и филантропов. Если вам нужна студия или выставочное пространство и коллекционеры ваших работ, покровитель с хорошими связями может представить вас и ваши работы в своих сетях.

Альтернативой является онлайн-платформа Patreon, где вы можете создать сообщество поклонников, выступающих в качестве покровителей, регулярно жертвуя небольшие суммы для финансирования своей страсти и работы.

Все большее число предприятий, участвующих в создании творческого климата, предпочитают приглашать консультантов по искусству на встречи и мозговые штурмы. Творческих людей ценят за их вдохновение, творческие способности и нестандартное мышление. Бизнес получает прибыль от их творческого капитала, а у арт-консультанта есть ценная работа, которая может сделать их экспертами в своей области… это беспроигрышный вариант.

Как создание эскизов помогло этим пяти создателям придумать успешные идеи, кредит Sound United

Галереи иногда могут выступать в качестве покровителей художников через расширенное представительство, отправляя их работы на художественные выставки, ярмарки и конкурсы.Однако не все галереи делают это, и с этим нужно договориться.

Когда вы найдете покровителя, помните, что это может быть улица с двусторонним движением. Спросите, хотят ли они что-то взамен, и сформулируйте, что это будет за «что-то». Составьте договор, в котором все указано, включая ваше право собственности на авторские права. Вы не обязаны передавать свои авторские права, и лучше этого не делать, если вы не договорились о соответствующей цене. После того, как вы продали авторские права на свою работу, вы больше не владеете этими изображениями и не имеете прав на использование, если иное не указано в контракте.

Джозеф Фердинанд Кепплер (1838-1894), реставрация Адама Куэрдена — Пиратский издатель — международный бурлеск, имеющий самый длинный рекордный тираж, из Puck , 1886, высмеивает способность издателей брать произведения из одной страны и публиковать их в другом, без оплаты оригинальным авторам.

Лучше всего регистрировать свои авторские права сразу после завершения каждой работы. Всегда подписывайте и датируйте свою работу, используйте символ авторского права © и документируйте каждый этап / черновик вашей работы с фотографиями и безопасным хранением этих черновиков.

В большинстве стран, особенно в странах, подписавших Бернскую конвенцию об охране литературных и художественных произведений , вы автоматически приобретаете авторские права на свое произведение сразу после его завершения. Однако, когда дело доходит до судебного разбирательства по нарушению этого авторского права, лучший способ доказать свое право собственности — зарегистрировать его сразу после завершения.

Убедитесь, что ваши соглашения заключены, через Simplecast

Избегайте пренебрегать этими пугающими разговорами об условиях вашего патронажного соглашения, включая защиту ваших авторских прав.Хотя вы будете очень благодарны за помощь, которую может оказать вам богатый или имеющий хорошие связи покровитель, важно иметь письменное согласие.

Непонимание между деловыми партнерами случается каждый день. Удивительное количество людей не понимают, как работает авторское право. Снизьте свои риски, ведя открытый диалог и подписывая контракты. Большинство потенциальных клиентов понимают важность заключения контракта, поэтому не бойтесь подписывать письменное соглашение.

Вы можете нервничать, обращаясь к потенциальному клиенту по поводу этих юридических деталей.Но помните, что в этом процессе вы создадите доказуемые бумажные следы своего собственного творческого капитала. Это очень ценно для вас, работы и наследия вашей жизни. Удачи!

Продолжение статьи под объявлением

21 день, чтобы стать лучшим художником. (даже если ты ужасен) | Автор: Ной Брэдли

Это копия Барга. Это довольно простой способ научиться рисовать. Видео, которое я связал, демонстрирует, как я это нарисовал.

Позвольте мне деконструировать для вас искусство.Если применить правило 80/20 к искусству, самое важное, что вы можете узнать, — это уметь смотреть на что-то и воссоздавать это на бумаге. Это первое и главное умение, которому вы должны научиться в искусстве. На то, чтобы овладеть им, могут уйти годы, но вы можете довольно быстро освоить основы. Вот видео, которое научит вас основам рисования.

(Отказ от ответственности: это и следующее видео полностью созданы в Photoshop. Но для этих уроков не требуются дорогие инструменты или знакомство с модным программным обеспечением с завышенной ценой.Эти же упражнения можно делать на бумаге карандашом. И, к тому же, наверное, лучше так делать.)

Если вы больше любите книги и никогда раньше в своей жизни не рисовали, для рисования на правой стороне мозга есть несколько отличных упражнений. Наука, конечно, полная чушь. Но упражнения отличные.

Круто? Кажется довольно простым, правда? Смотришь на что-то, рисуешь какие-то рекомендации, измеряешь, сравниваешь? Ну да-да, ты же художник! Если вы потратите следующие 21 день, работая именно над этим, я обещаю вам, что вы станете лучшим художником.

Это магистерские исследования, выполненные художниками-пейзажистами, которые лучше меня. Щелкните по этой ссылке, чтобы посмотреть, как я делаю это (и многое другое).

Хотите пойти дальше? Что ж, следующее лучшее упражнение для художников — воровство !

Мы называем их «магистерскими исследованиями», и в основном они заключаются в том, что вы берете рисунок или картину мертвого парня и делаете все возможное, чтобы воссоздать их (как вы это делали выше). Вот видео, в котором объясняется все, что вы когда-либо хотели знать о магистратуре.

Не поймите меня неправильно. Есть много других упражнений, которые являются отличной практикой (автопортреты — личный, тщетный фаворит). Но эти двое уведут вас очень, очень далеко. Неважно, только ли вы начинаете или занимаетесь искусством десять или два года.

Еще один, более продолжительный, магистерский кабинет. Если вы узнаете это, вероятно, потому, что это была моя статья «Не ходите в художественную школу», которая заставила меня так полюбить художественные школы.

12 новых правил достижения радикального успеха как художника | Джеффа Гоинса | Publishous

Большая опасность для большинства из нас заключается не в том, чтобы ставить перед собой слишком высокую цель и терпеть неудачу; но в том, чтобы поставить нашу цель слишком низко и достичь нашей цели. — Микеланджело Буонаротти

В 1995 году американский профессор сделал необычное открытие. В Сиракузском университете во Флоренции Раб Хэтфилд пытался сопоставить сцены Сикстинской капеллы с датами, которые Микеланджело нарисовал для каждой из них.

Поскольку художник получал заказы различными частями, профессор подумал, что это может быть бумажный след, и отправился в городской архив. Удивленный тем, насколько легко было найти банковские записи пятисотлетней давности, он начал реконструировать более точную временную шкалу того, как возник самый известный потолок в мире.

Вот когда он это увидел.

«Я действительно искал что-то еще!» — крикнул профессор в телефон из своего офиса в Италии десятилетия спустя. «Каждый раз, когда я сталкиваюсь с чем-то, это происходит потому, что я искал что-то еще, что считаю настоящим открытием. Когда вы этого не ожидаете, вы действительно что-то открываете ».

Имея докторскую степень в Гарварде, профессор Хэтфилд начал свою карьеру в Йельском университете в 1966 году, а затем перешел в Сиракузский университет в 1971 году, и за все время преподавания истории искусств он никогда не сталкивался с чем-либо подобным.

То, что он обнаружил в этих записях, было совсем не тем, что можно было бы ожидать, копаясь в банковском счете художника, даже того, чья слава будет расти с каждым столетием.

«Я не знаю, сколько вы знаете о Микеланджело, — сказал он мне, — но обычно нас учили, что он боролся, как Винсент Ван Гог».

На протяжении веков историки верили в великого мастера эпохи Возрождения. Он был просто еще одним голодным художником, изо всех сил пытавшимся свести концы с концами.Сам Микеланджело воспринял этот образ, живя скромно и часто жалуясь на деньги. Однажды он написал в стихотворении, что его искусство оставило его «бедным, старым и работающим в качестве слуги других».

Но оказывается, что он говорил неправду.

Когда Раб Хэтфилд покопался в старых банковских записях, правда о самом известном художнике эпохи Возрождения наконец открылась. Он совсем не сопротивлялся. Он не был бедным и не голодал по своему искусству — факт, с тех пор мы ошибаемся.

На самом деле Микеланджело был очень богат. Одна запись, которую нашел профессор Хэтфилд, показывала баланс в сотни тысяч долларов, что было редкой суммой для художника в то время. Увидев эти фигуры, профессор совершенно забыл о Сикстинской капелле.

Возбужденное любопытство, он пошел посмотреть, есть ли еще банковские записи, а их больше — намного больше. В конце концов, он обнаружил состояние, которое сегодня составляет примерно 47 миллионов долларов, что сделало Микеланджело самым богатым художником эпохи Возрождения.

И по сей день эта история удивляет нас.

Почему?

Мы привыкли к определенному рассказу о художниках, который указывает на то, что они с трудом справляются. Но Микеланджело не страдал и не голодал за свою работу. По словам журналиста Фрэнка Бруни, он был мультимиллионером и успешным предпринимателем, «ключевой фигурой в переходе творческих гениев от людей, которых считали и платили, как ремесленников, к людям с другим уровнем обращения и компенсации».

Другими словами, великий скульптор и художник был не просто бросившим школу художником, который боролся за свое искусство. Он был создателем дождя.

Когда я спросил профессора Хэтфилда, что миллионы Микеланджело значат для нас сегодня, он ответил: «Я не думаю, что это много значит». Но я не согласен. Я думаю, это все меняет.

Через двести лет после смерти Микеланджело Анри Мюрже родился во Франции в семье портного и консьержа. Живя в Париже, он был окружен творческими гениями и мечтал присоединиться к ним, но его разочаровывала неспособность найти финансовую безопасность.

В 1847 году Мюргер опубликовал Scènes de la vie de bohème , сборник рассказов, игриво романтизирующих бедность. Результатом стало литературное признание, упорная борьба и безвременный конец безденежной жизни.

Книга хромала после смерти автора и была адаптирована сначала как опера «Богема», а затем как фильм, в конечном итоге получившая широкую известность благодаря таким побочным продуктам, как «Аренда» и «Мулен Руж».

Murger’s Scènes представил публике концепцию голодного художника как образец творческой жизни.По сей день он остается образцом того, что мы думаем о слове «художник».

История голодающего художника затмевает тихую, относительно неизвестную историю успеха Микеланджело и стала нашим самым популярным пониманием того, что возможно для творческих людей, то есть немного.

Сегодня мы находим остатки этой истории почти везде, куда ни посмотрим. Это совет, который мы даем другу, который мечтает зарабатывать на жизнь рисованием, то, что мы рассказываем коллеге, который хочет написать роман, или даже поучительную историю, которую мы рассказываем нашим детям, когда они отправляются в реальный мир.«Осторожно, — зловеще говорим мы. Не будь слишком изобретательным. Вы можете просто голодать.

Но мы забываем, что история о голодном художнике — это миф. И, как и все мифы, это может быть мощная история, вокруг которой мы можем ориентировать всю нашу жизнь, но, в конце концов, это все же просто история.

Благодаря силе этого мифа многие из нас выбирают безопасный жизненный путь. Мы становимся юристами вместо актрис, банкирами вместо поэтов и докторами вместо художников. Мы хеджируем свои ставки и прячемся от своего истинного призвания, выбирая менее рискованную карьеру, потому что это кажется проще.В конце концов, никто не хочет бороться, поэтому мы сохраняем нашу страсть хобби и идем предсказуемым путем к посредственности.

Но что, если бы вы могли зарабатывать на жизнь как художник, и вам не приходилось бы голодать, чтобы делать это? Что бы это изменило в нашем подходе к работе и в том, как мы считаем важность творчества в современном мире? Что это будет значить для выбранной нами карьеры и пути, которым мы поощряем следовать нашим детям?

В эпоху раннего Возрождения художники не имели репутации прилежных работников.Их считали физическими рабочими, получая за свою работу скудные комиссионные. Однако Микеланджело все изменил.

После него каждый художник начал видеть «новый узор, новый способ делать вещи», как сказал Билл Уоллес, профессор истории искусств Вашингтонского университета в Сент-Луисе. Микеланджело «утвердил идею о том, что художник может стать новой фигурой в обществе и иметь более высокое социальное положение, а также о том, что он может стать финансово успешным».

Микеланджело не нужно было голодать для своих творений, и вам тоже.Когда художник Сикстинской капеллы нажил невероятное состояние и сохранил свое наследие как одного из мастеров истории, он сломал стеклянный потолок для будущих поколений.

Однако сегодня о его вкладе почти забыли. Мы поверили мифу о голодающем художнике, думая о художниках как о несчастных богемцах, которые борются с низшими слоями общества. Этот миф повсюду вредит творческой работе, и его необходимо развеять.

Мы редко думаем о творческих людях как о богатых или успешных, даже шутя о расточительности художественных степеней и театральных классов.Мы слышали, что творчество — небезопасная ставка на карьеру, означает ли это погоню за литературой, музыкой или каким-либо другим художественным занятием. Всю свою жизнь я слышал это от благонамеренных учителей, друзей и родственников. Совет всегда был одним и тем же: получайте хорошую степень, есть чем подкрепиться и не бросайте свою повседневную работу.

Но правда совсем в другом.

Креативность, хотя и прекрасная возможность для самовыражения, не является чем-то, что мы думаем, что человек должен делать все возможное для карьеры.Потому что велика вероятность, что ты умрешь с голоду. Правильно?

Иногда артисту все же удается: певец выпускает платиновую пластинку, автор попадает в список бестселлеров, режиссер выпускает блокбастер. Мы склонны отвергать такие моменты как редкие случаи, когда артисту везет или он распродается. Но что, если это не вся картина?

Когда мы смотрим на многих самых известных художников в истории, мы видим кое-что любопытное. То же самое мы наблюдаем в жизни бесчисленных творцов, которые сегодня зарабатывают на жизнь своим искусством.

Когда мы слышим предостерегающие истории и предупреждения о том, что значит быть художником, мы должны научиться принимать важную истину: вам не нужно голодать.

В этой книге я хочу предложить очень простой, но интересный аргумент: Настоящие художники не голодают.

Заработать на жизнь своим творческим талантом никогда не было так просто, и чтобы показать вам, что это возможно, я поделюсь историческими примерами известных художников, креативщиков и предпринимателей, которым не пришлось страдать, чтобы создать свои лучшие работы.И я также познакомлю вас с современной группой профессионалов, которые достигли удивительного успеха в своей творческой работе, и познакомлю вас с тем, как вы можете присоединиться к ним.

Наконец, я попытаюсь убедить вас, что идея голодного художника — бесполезный миф, который сдерживает вас больше, чем помогает создавать ваши лучшие работы.

Сегодня, когда у нас больше возможностей поделиться своей работой с миром, нам нужна другая модель творческой работы. Миф о голодающем художнике уже давно не приветствуется, и сейчас нам нужен Новый Ренессанс, возвращение к модели искусства и бизнеса, не требующей от творческих работников страданий и голода.

У всех нас есть творческий талант, и в этом отношении мы все художники. Миру нужна ваша работа — будь то идея книги, видение стартапа или мечта вашего района — и вам не нужно бороться за ее создание.

Что значит быть «настоящим художником»? Это означает, что вы тратите свое время на то, что для вас наиболее важно. Это означает, что для создания вам не нужно чье-то разрешение. Это означает, что вы не выполняете свою работу тайно, надеясь, что кто-нибудь когда-нибудь это обнаружит.Это означает, что мир серьезно относится к вашей работе.

Вы должны стать миллионером, как Микеланджело? Нисколько. Это не книга о том, как разбогатеть, продавая искусство. Это описание пути, по которому прошли многие профессиональные художники, творческие люди и предприниматели, и вам было бы разумно пойти по нему, если вы хотите присоединиться к ним.

Цель здесь не в том, чтобы разбогатеть, а в том, чтобы построить такую ​​жизнь, которая сделает создание своей лучшей работы не только возможным, но и практически неизбежным. Итак, я думаю, нам следует заменить идею голодного художника новым термином: процветающий художник.Если вы не хотите, чтобы ваша лучшая работа умерла вместе с вами, вы должны приучить себя думать и жить иначе, чем то, как вам говорили художники. Вы не должны голодать; вы должны процветать.

Вдохновленный историей Микеланджело, мне было любопытно узнать, преуспели ли другие художники. Я обнаружил, что Новое Возрождение не только возможно, но и уже происходит. В своем исследовании я встретил креативщиков почти во всех сферах, которые совсем не голодали.

Чем больше историй я находил, тем больше появлялось общих тем. Эти художники, возможно, не знали о богатствах Микеланджело, но они воплощали его подход к творчеству и следовали схожему набору стратегий, который я сейчас описал и изложил в этой книге.

Вот они, принципы, по которым живет каждый Процветающий Художник — Правила Нового Возрождения:

  1. Голодный Художник считает, что нужно родиться художником. Процветающий художник знает, что вы им станете.
  2. Голодный художник стремится быть оригинальным. Процветающий художник крадет у него влияния.
  3. Голодный художник считает, что у него достаточно таланта. Подмастерье «Процветающего художника» у мастера.
  4. Голодный художник упрям ​​во всем. Процветающий художник упрям ​​в видении, но гибок в деталях.
  5. Голодный художник ждет, чтобы его заметили. Успешный художник культивирует покровителей.
  6. Голодному художнику никто не нужен. Процветающий художник находит сцену.
  7. Голодный художник всегда работает один. Процветающий художник сотрудничает с другими.
  8. Голодный художник делает свою работу наедине. Процветающий художник практикуется на публике.
  9. Голодный художник работает бесплатно. Процветающий художник всегда на что-то работает.
  10. «Голодный художник» распродается слишком рано. Процветающий художник владеет как можно большей частью своих работ.
  11. Голодный художник делает одно. Процветающий художник много чего делает.
  12. Голодный художник презирает потребность в деньгах.Процветающий художник зарабатывает деньги, чтобы создавать больше искусства.

До конца этой книги мы исследуем эти правила в контексте трех основных тем: образ мышления, рынок и деньги.

В каждой части мы будем делать значительный шаг, который позволит нам перейти от голодающих художников к процветающим художникам.

Во-первых, мы совершенствуем свое мышление, решая внутренние проблемы и конфликты, с которыми нам придется столкнуться, чтобы вырваться из парадигмы голодающего художника. Мы не сможем изменить свою жизнь, пока не изменим свое мнение.

Затем мы осваиваем рынок, исследуя важность взаимоотношений в творческой работе и способы продвижения нашего искусства в мир.

Наконец, мы осваиваем деньги, глядя на то, что значит не только зарабатывать на жизнь своей работой, но и заставлять деньги работать на нас, чтобы мы могли использовать их как средство для более качественной работы.

Каждая глава основана на одном из двенадцати правил, упомянутых выше, наряду с историческими историями и оригинальными примерами из сотен интервью, которые я провел с современными творческими людьми, художниками и предпринимателями.Правила не столько жесткие и быстрые, сколько принципы, проверенные стратегии, которые помогут вам добиться успеха. Чем больше вы будете следовать этим принципам, тем больше у вас будет шансов на успех, и наоборот.

Эта книга представляет собой руководство, призванное помочь вам создать значимую работу. Я надеюсь, что когда вы познакомитесь с рассказами и уроками, которые в нем содержатся, вам будет предложено пойти по стопам тех, кто шел до вас. Я надеюсь, вы понимаете, что быть голодным художником — это выбор, а не необходимое условие для творческой работы, и будете ли вы голодать, зависит от вас.

И я надеюсь, что вы воодушевлены вступить в ряды Нового Возрождения, приняв веру Микеланджело в то, что вы можете жить как творческой жизнью, так и процветающей, заявляя себе и миру, что настоящие художники не умирают с голоду — по крайней мере, им не нужно.

Если вы хотите стать успешным художником, автором или творческим профессионалом, вы можете ознакомиться с моим последним бестселлером « Настоящие художники не голодать» .

Как стать известным художником

Как я могу быть известным художником? Этот вопрос часто задают молодые художники, которые хотят знать, как стать успешными художниками.Можете ли вы быть художником ? Конечно можно. Сможете ли вы стать известным художником? Может быть. Возможно, нет. Это возможно. Но в искусстве нет никаких гарантий. В недавнем реалити-шоу австралийский хореограф Джейсон Коулман прокомментировал, что знаменитость — это не то, что вы выбрали — это что-то, что случилось с вами. Иногда художники делают отличную работу и, зарабатывая на жизнь, никогда не становятся хорошо известными за пределами своего ближайшего окружения или нескольких коллекционеров — в то время как посредственные художники, ударив правильную культурную ноту или найдя подходящего дилера, могут стать именами нарицательными.Слава — дело непостоянное.

Знай, чего хочешь

Вы знаете, что на самом деле значит быть художником? Удивительно, сколько мифов люди верят о художнике. Некоторые из них могут стать настоящей проблемой, если относиться к ним слишком серьезно. Удивительно, но голодать на чердаке, иметь проблемы с наркотиками и даже нестандартную стрижку — все это по желанию. Многие великие художники — довольно трезвые люди, которых вы, вероятно, подумали бы сантехниками или малярами, если бы увидели их на улице.

Стать художником

Первое, что вам нужно сделать, чтобы прославиться, — это прежде всего стать артистом! Как ты делаешь это? Вы занимаетесь искусством. Почему я ставлю этот шаг до художественной школы? Потому что тебе нужно портфолио, чтобы поступить в художественную школу. Художественная школа может сделать вас лучшим художником, но в первую очередь нужно иметь инстинкт и желание заниматься искусством. Вы можете развивать навыки по ходу дела, но вы должны начать творить. Альбом для рисования — отличное место для начала.

Искусство

Вы должны быть лучше среднего, если хотите прославиться. Вам нужно будет узнать о теории искусства и истории искусства, а также изучить необходимые вам техники, будь то рисунок и живопись, методы цифрового искусства, скульптура или современные методы установки и видеопроизводство. Художественная школа может помочь вам со всем этим, а также побудит вас глубоко задуматься о философии и наладить контакты с другими художниками. Вы также можете развиваться с помощью самостоятельного обучения, чтения, вечерних уроков и семинаров.Чтобы помочь вам подумать о некоторых проблемах, влияющих на ваш выбор, ознакомьтесь с этой статьей о том, следует ли вам ходить в художественную школу.

Составьте план

Построение художественной карьеры требует времени. Коллекционеры хотят знать, что искусство, которое они покупают, будет расти в цене и что художник продолжает создавать и совершенствоваться, чтобы люди по-прежнему хотели покупать эти работы. Поэтому вам нужно развивать свое портфолио, обращаться к галереям и дилерам и участвовать в конкурсах, чтобы получить известность.Методический подход — ключ к успеху, избавляющий вас от тратить время и отвлекаться от важной задачи, связанной с творчеством.

Сделайте много искусства

Это сложный момент. Ключ к известности — это имя нарицательное. Это значит быть популярным. В искусстве есть два основных способа сделать это. Один из них — полностью посвятить себя своей работе, выполнять значимую работу с хорошими техническими навыками, которая является настолько искренней и искренней, что дилеры, покупатели и весь мир будут «подключаться» к ней на глубоком уровне.Они признают, что у вас есть уникальное видение мира, которое они также могут каким-то образом понять. Вспомните Люсьена Фрейда, Ансельма Кифера, Жан-Мишеля Баския, Бэнкси. Но недостаточно работать как великим художником: вы должны найти то, что делает вас таким же уникальным провидцем, как и они. Художественная резиденция может дать вам время сосредоточиться.

Другой путь — попытаться угодить общественному вкусу, выбирая самые продаваемые предметы, выполняя работу, которая, как вы знаете, будет популярной.Иногда это будет преднамеренно «резкая» или напуганная работа, чтобы соответствовать текущему тренду, что может сработать, если вы будете достаточно быстры, чтобы попасть в хвост законодателей моды. Чаще всего это мягкие квазиреалистичные работы: причудливые коттеджи при свечах для одного рынка или «дерзкие» обнаженные тела для другого. Если это делает вас счастливым, дерзайте.

Продвигайте свою работу

Эта часть может быть время от времени веселой, но также может быть тяжелой работой и отвлекать. Не теряйтесь в саморекламе и не забывайте проводить время в своей студии.Чтобы прославиться, вам нужно представить свое искусство публике. Большая аудитория. Вам нужно подойти к галерее и работать над представлением на крупной художественной ярмарке. Для серьезного искусства этот традиционный подход — лучший путь. Большинство крупных галерей поддерживают свои собственные веб-сайты художников, но пока вы не будете представлены, создание собственной веб-галереи — хорошая идея. Некоторые художники предпочитают продавать свои работы самостоятельно и через Интернет, но на самом деле вам нужно использовать традиционные художественные сети, чтобы привлечь внимание коллекционеров.Тем не менее, онлайн-рынки могут стать хорошей остановкой для начинающего художника, а также популярны среди художников, работающих как в нишевых жанрах, так и среди популярных работ массового рынка, особенно гравюр и плакатов.

Об этом известном деле …

Слава — это то, что случается, а не то, что вы выбираете. Если вы просто хотите стать знаменитым, вам, вероятно, стоит попробовать попасть в реалити-шоу или выйти замуж за одного из Кардашьян. Серьезно — попросите любого из своих друзей, не являющихся художниками, назвать пять современных художников.Если вы не живете в необычно творческой среде, я был бы удивлен, если бы они вообще могли придумать что-нибудь! Что действительно важно, так это делать хорошее искусство, которым можно гордиться.

.

Leave a Reply

Your email address will not be published. Required fields are marked *